ciento cincuenta monos

número cinco

2009-09-21T20:09:00.000-07:00

estimados y pacientes lectores y seguidores,

después de muchísimos meses de ausencia, el consejo editor de la revista ciento cincuenta monos tiene el agrado de presentar el quinto número de su modestísima revista.

en el índice encontrarán las luminarias que integran este número, rehenes de estas páginas.

Kimono (Poesía)
Algunas entradas de Sobre un tipo de sufrimiento, Hernán Lucas
Pequeña antología, Carlos Aldázabal
Amanecer en Villa Santa Rita, Camila Flynn

Monoambiente (Relatos de una sola pieza)
Rabia, Jaime Mesa
Lola entre las flores, Juan Pablo Cozzi
Acerca del verde claro, Pablo Natale

Kin Kón (Entrevista a un gran mono)
“El teatro asume la muerte de la Argentina, y de alguna manera la exorciza”. Entrevista a Jorge Dubatti, por S. Sánchez Santarelli

Monocromático (Disección crítica: Pintura)
La distopía del Museo, Eduardo del Estal

Dramatis simiae (Homenajes dramáticos)
Elogio académico, Sergio Sabater
Elogio del incendio, Eugenio Barba

Mono con navaja (Disección crítica: Internet)
Diez parágrafos sobre Internet, J la Rata

Mono con navaja (Disección crítica: Literatura)
Lo que queda del mono... , Carolina Berduque
Discursividad crítica y el problema del realismo... , Martín Glozman

La banana mecánica (Crítica de cine)
Diario crítico 2009, Marcos Vieytes

Poemínidos
E. Huerta, Santiago Sánchez Santarelli

La del mono (Columna chancha)
Péndulo, Carolina Puente

La última (Muchas monerías)

Ilustración de tapa y cuentos: Alejandro Kechichian Maggio

***

como siempre, aceptamos toda clase de comentarios, desde altas lisonjas hasta rastreros insultos. y, sobre todo, los invitamos a que colaboren.

saludos!

la monada

Métodos para no llorar, de Josefina Sabaté y Baudrón

2009-07-15T22:49:00.001-07:00

Dos mujeres huyen de algo que parece una guerra civil. En la calle hay explosiones, disparos. Se meten en un sótano que viene a hacer las veces de bunker. Una tiene una cartera con algunas cosas -un grabador de periodista, entre otras-; la otra, nada. No se conocen, pero están obligadas a compartir el refugio. Por si eso fuese poco, lo único que encuentran para comer son cebollas. Crudas. Y, ya sabemos, las cebollas hacen llorar. Hay que buscar métodos para evitarlo. Sobre todo, cuando la amenaza parece extenderse para siempre: incluso las treguas podrían ser una "celada de ganso" (como se dice en la jerga ajedrecística) para que salgan a la superficie.

La dramaturgia es ambigua, no presenta un relato en el sentido clásico, sino apenas un fragmento singular de la vida de los personajes, con muchos puntos oscuros. ¿Quiénes son esas mujeres? ¿De qué huyen? ¿Cuál fue su vida antes de acabar en un sótano? El tratamiento del texto tiene, en ciertos momentos, una candidez infantil que recuerda algunas entradas del diario de Ana Frank y, en otros, un aire siniestro (por ejemplo, la parodia del programa de cocina), tras la apariencia de lo banal.

Apoyada en las actuaciones de Bárbara Molinari y Martina Schvartz, la puesta de Sabaté y Baudron de su propio texto es cuidada e interesante, aunque con algunos altibajos.

El vestuario y la escenografía cumplen su función sin estridencias. En el segundo rubro ayuda el hecho de que la sala sea efectivamente un sótano y que los espectadores estén tan atrapados como los personajes. El diseño de luces de Possemato (al que ya elogiamos por Terrame) vuelve a ser impecable, con un uso preciso de los colores e inteligentes recursos climáticos, lo que agrega espesor dramático a la propuesta de la directora, además de sumar al interés visual.

Métodos para no llorar hace funciones en la Cámara de Teatro (Aráoz 1025), los viernes a las 21:30 hs

Lo peor pasó

2009-07-06T12:19:00.000-07:00

Primero, vinieron por los chanchos y no dije nada, porque no era chancho.

Después, vinieron por los mexicanos y no dije nada, porque yo no era un cuate.

Más tarde, vinieron por las escuelas de Belgrano y no me importó porque yo no era cheto.

También vinieron por Rodríguez Larreta, pero como yo no era facho, me dio lo mismo.

Luego vinieron por los subtes y los bondis, pero no me importó porque yo tenía alcohol en gel.

Ahora vienen por los teatros…

El cristal, Proyecto de Graduación del IUNA, con dirección de Gustavo Tarrío

2009-06-17T22:57:00.000-07:00

Llega el momento de reseñar el último proyecto de graduación de actores del IUNA. Ya hablamos de la obra que dirige Luis Cano, de la que dirige Analía Couceyro y ahora le toca a la obra que dirige Tarrío.

El Cristal, según se anuncia desde el programa de mano, es un parque de atracciones. Luego de un comienzo musical, los espectadores son divididos en tres grupos independientes y comienzan el recorrido por las “atracciones”, que son tres obras diferentes representadas en tres espacios diferentes.

Este recorrido, que -obviamente- difiere para cada grupo, configura el primero de los aspectos que me interesa anotar: un uso teatral del espacio que excede al ámbito escénico. Como el paseo en bondi que se realizaba antes de ingresar a la sala en la puesta de Cleansed de Mariano Stolkiner, aquí el sugerente edificio de la Sede Venezuela del IUNA (una antigua fábrica) es tomado por Tarrío y sus actores para difuminar los límites de la representación e ingresar a los espectadores en ella. La presencia de un guía que, además, es un personaje de alguna de las atracciones reafirma este funcionamiento del espacio.

Por otro lado, es interesante pensar las trayectorias ficcionales que propone El Cristal. Como se indica en el programa de mano, la obra nace de una foto. Cito al director: “En la foto, mi mamá canta en un hotel de Río Tercero, Córdoba, carnaval de 1952. Los actores trajeron las fotos de sus familias y empezamos a filmar todo lo que se mueva.” En esa relación entre lo biográfico y sus derivaciones reside la estructura de ficción de la obra, como una apropiación más o menos difusa de cierta “memoria emotiva” (es en joda) de los actores y el director. El fragmento de Tarrío condensa el procedimiento en apenas una frase: de la fotografía como testimonio inmóvil del pasado al registro de “todo lo que se mueva” y de allí, al puro presente teatral. Sin embargo, lo autobiográfico como procedimiento metaléptico se conserva en la coincidencia entre los nombres de algunos personajes y los de los actores que los encarnan. Si uno hace el recorrido que me tocó a mí - La habitación, El pozo, La casa-, la niña que canta en la foto vuelve a aparecer en la última atracción: el signo de la ruptura diegética se invierte y ahora el universo ficcional contamina la percepción que inicialmente teníamos de aquella foto familiar, para cargarla de un sentido difuso e inquietante.

Saliendo del terreno de la especulación crítica, si así puede llamársele a un par de consideraciones apresuradas, debemos saludar (estoy un poco arcaico hoy) las excelentes actuaciones, las muy buenas interpretaciones vocales (todos cantan bien, ¡da una envidia!) y la notable precisión cronométrica con que los universos ficcionales de las tres atracciones se interpenetran por la aparición de personajes de unos en los otros.

El vestuario -que incluye un traje de superhéroe- es excelente, aunque suponemos que los actores lo padecerán un poco en las crudas noches de este otoño. Gajes del oficio, que les dicen.

La iluminación, la escenografía y el campo sonoro están muy bien logrados, aportando lo suyo para que el conjunto de la obra resulte convincente, sólido y sumamente recomendable de ver.

Las funciones son en la Sede de Venezuela del IUNA (Venezuela 2587), los sábados a las 21:00 hs. Dejo teléfono y lo haré de aquí en adelante: 4308-5046.

La ficha técnica puede consultarse acá.

P.D.: Pido disculpas por un error que se me pasó en la reseña de Tren: la obra se está poniendo en Anfitrión, no en El Artefacto. Hecho el descargo, espero no estar pifiándole en nada con este texto.

Tren, de Carricajo, Correa, Gamboa y Paredes

2009-06-07T11:04:00.000-07:00

Un grupo de mujeres ocupa parte de un vagón de ferrocarril. Son feligresas de una iglesia evangélica que viajan a una ciudad costera -presumiblemente Mar del Plata- a participar de un congreso religioso. Algunas son pastoras, otras contarán su caso, otras simplemente lo hacen como quien va a una misa importante. Mientras viajan cuentan sus historias personales y el porqué del acercamiento a la iglesia. De allí parte el nuevo espectáculo de las chicas de Piel de Lava.

La escena muestra el camarote de un ferrocarril bonaerense, recreado al mínimo detalle: los asientos, los percheros, los portaequipajes, las ventanas. Para apoyar el efecto de realidad, sobre la ventana lateral (la que da al exterior) se proyectan las imágenes que un pasajero observaría si efectivamente hiciese el viaje. De los audiovisuales que realizaron Mariano Llinás y Agustín Mendilaharzu hablaremos más adelante.

Sobre este planteo aparentemente simple se desarrolla una de las obras más divertidas que haya visto en mucho tiempo. Y esto, se entiende, no es un mérito menor. Kartun habla en algún lado -creo que es la contratapa o el prólogo a un libro- de recuperar el sentido primitivo de “entretener”: tener entre. O sea, mantener al espectador entusiasmado dentro de los límites de un universo ficcional. Tren lo logra con absoluta eficacia, con un planteo narrativo impecable, excelentes actuaciones y un texto que por momentos me hizo llorar de la risa, siendo que -incluso cuando una obra me divierte- soy bastante reacio a la carcajada.

A propósito de las actuaciones (Valeria Correa, Pilar Gamboa, Elisa Carricajo y Laura Paredes), que son muy buenas, debo destacar la pasmosa habilidad de Elisa Carricajo para los monólogos (el lector memorioso recordará el que su personaje hacía en Acassuso, de Spregelburd, a propósito de los chicos del delivery de empanadas y que, para sorpresa del director y de los habitués teatrales, terminaba en un cerrado aplauso ¡en medio de la función!) y el trabajo de Pilar Gamboa. Gamboa es, hay que decirlo, un monstruo y, como tal, es capaz de cualquier cosa. La escena de las tres hermanas lo confirma con creces.

Marcaré un único problema de la correcta iluminación: el portaequipajes de uno de los laterales por momentos hace sombra sobre la ventana donde se está proyectando.

Antes de terminar, querría dedicarle un par de líneas -como lo prometí- a los audiovisuales de Llinás-Mendilaharzu. Quién venga siguiendo a estos muchachos recordará Balnearios y, por supuesto, la mejor película argentina que ha podido verse en muchísimo tiempo: Historias extraordinarias. En ambos films se adivina como constante el trabajo sobre la llanura bonaerense, ese espacio amplio, monótono y reiterativo que conocemos bien los que hemos vivido algún tiempo en un pueblo de la provincia. Si en Balnearios, trabajaron sobre las ciudades costeras y en Historias extraordinarias sobre los mecanismos de funcionamientos de los pueblos tierra adentro, Llinás y compañía usan el audiovisual de Tren para indagar sobre otro de los elementos característicos de la provincia: el ferrocarril, justamente. Y, otra vez, la implacable capacidad de estos cineastas de poner el ojo donde pareciera no haber nada nos depara una sorpresa. A pesar de la cámara fija sobre el tren, a pesar de que apenas hay un par de secuencias actuadas, la simple progresión de imágenes de las estaciones, desde la populosa e inmensa Plaza Constitución, hasta las pequeñas y despobladas estaciones intermedias del recorrido, opera el milagro: aparece -vaya uno a saber cómo- la mística de la “pánica llanura interminable” (Oribe dixit) y el viaje de las mujeres cobra una dimensión trascendente en medio de la parodia feroz que la obra plantea.

Tren hace funciones en Anfitrión (Venezuela 3340), los viernes a las 21:00hs

Poetas canarios en Buenos Aires

2009-05-21T07:37:00.000-07:00

El pasado martes, engripado y todo, fui al Centro Cultural de la Cooperación porque se presentaba el libro que da título a este post.

Poetas canarios en Buenos Aires recopila, Juan Carlos de Sancho mediante, poemas de 30 escritores jóvenes de las islas. Además de poner al alcance del público argentino material de difícil acceso, el libro incluye información bio-bibliográfica de los poetas y una reflexión de cada uno de ellos acerca de qué significa escribir poesía. Entre los antologados están: Sergio Domínguez-Jaén, Ángela Ramos, Cecilia Domínguez, Verónica García, Ricardo Hernández, el propio De Sancho, y otros.

Finalmente, dejando de lado las virtudes estrictamente literarias, saludaré aquí la cuidada edición a cargo de Hernán Isnardi quién, con este título, da principio a la editorial de su revista La Máquina del Tiempo. Por si todo esto fuese poco, el libro -cosido, con una tapa en cartulina ilustración mate de buen gramaje, y correcta impresión- se consigue sin cargo escribiendo a editorial@lamaquinadeltiempo.com

Dóciles y útiles, Proyecto de Graduación del IUNA, con dirección de Analía Couceyro

2009-05-18T22:11:00.000-07:00

Increíblemente, por cuarta vez en poco tiempo me encuentro reseñando una obra distópica. Está bien, en Dóciles y útiles nunca se explicita el tiempo en el que transcurre la historia. Pero los vestuarios, la escenografía y, sobre todo, la “conducta” de los personajes hacen pensar en un futuro no muy lejano. Algún analista más sesudo podría buscar la razón detrás de la abundancia de obras de “teatro de anticipación”. Pero los augurios no son buenos: desde la Utopía de Moro, escrita en el mismo siglo de la Inquisición Española, el Concilio de Trento y la Noche de San Bartolomé; hasta las Crónicas marcianas de Bradbury, contemporáneas al pico de tensión de la Guerra Fría, la aparición de arte utópico no suele indicar nada bueno. Más bien tiene que ver con épocas agitadas.

Lo primero que llama la atención de esta obra es el marco teórico que, explícita o implícitamente, la rodea. El texto de presentación nombra a Marx, a Nietzsche y a Hegel (que, a más de ser alemanes los tres, no comparten mucho). El título remite casi inmediatamente a Foucault -y, por transitividad, a la lectura que Deleuze hace de estos conceptos-, igual que los procedimientos de domesticación social, la vigilancia constante, los castigos, el ejercicio del poder directamente sobre los cuerpos de, en este caso, las trabajadoras. Y para completarla, se nos aparece el cascarrabias de Adorno, cuya dudosa lectura del marxismo desde el psicoanálisis condena al fracaso a cualquier emancipación de la humanidad como un todo, porque la lógica de dominadores y dominados proviene -según él-, no de una configuración histórica determinada, sino más bien de una estructura psíquica inconsciente. Esto último, claro, es una lectura que yo hago, que no está explícita. Pero que calza perfectamente en el devenir de la obra.

Estos temas tan ríspidos (hagan la prueba de leer a Hegel, si no me creen) no son abordados en Dóciles y útiles desde un tono solemne o didáctico, sino más bien todo lo contrario. Es decir, desde lo caricaturesco. Como es vox populi, el humor suele ser el vehículo para decir las cosas más inefables. Los trabajos sobre el vestuario (que incluye un montón ingente de pelucas), la escenografía y el maquillaje acompañan esta impronta.

Las actuaciones están bien logradas, en un registro distanciado del realismo. Destacaré aquí el trabajo de Juan Ignacio Bianco -la hombruna María Emilia-, de Cecilia Laffranconi -la aplicada Lucrecia-, de Verónica Mayorga -la despechada Tránsita-, y de Maia Menajovsky -una doctora que, posiblemente, será prima lejana del Dr. Mengele y de Hans Vergerus, el médico que ensayaba atroces experimentos en The serpent’s egg, de Igmar Bergman-. A propósito de Bianco, debo anotar su participación en dos de los momentos más interesantes de la obra: su bella interpretación de una canción andina (el nombre se me escapa ahora) bajo una pálida luz azul y acompañándose con un charango; y la escena desopilante que comparte María Emilia con Roberto González (Leandro Rosenbaum).

De las luces, otra vez, tendré que rezongar. Hay por lo menos diez apagones. ¡DIEZ! En una obra que dura alrededor de una hora, eso significa un apagón cada 6 minutos. Y, aunque este tipo de detalles se suele obviar, semejante tendencia a usar las luces como en un arbolito de navidad acaba destruyendo cualquier posibilidad de acumulación dramática y la obra se aparece como una serie de escenitas sueltas. Además, de que inhabilita cualquier otro mérito que pueda tener la puesta de luces. Y los tiene, de hecho.

La escenografía de Félix Padrón, por el contrario, es sugestiva y funcional a la puesta. Aporta cierto misterio y contribuye a generar una sensación de extrañeza, de monstruo tecnológico, con un haz de caños que no se sabe muy bien para qué sirven y esos aparatos similares a bicicletas fijas con los que las mujeres “trabajan”. Bien valen una mención las bombas en forma de galletita Merengada.

El vestuario también acompaña correctamente la propuesta, pero en otro sentido, ya que gran parte de la caricaturización se apoya sobre él: hay pelucas (muchas), ropas extrañas, lentes, orejas de conejo, pijamas.

No digo más. Dóciles y útiles hace funciones en la sede de Venezuela del IUNA (Venezuela 2587), los viernes a las 22:30hs. Saquen las entradas con tiempo, suele ser difícil conseguirlas

Terrame, de Lucía Garay

2009-05-12T17:36:00.000-07:00

Terrame es la primera obra que Lucila Garay, salida de la cantera de Claudio Tolcachir, estrena en los roles simultáneos de dramaturga y directora. El título remite -ya se habrán imaginado- a un juego infantil de esos que vienen jugándose de tiempos inmemoriales y que yo conocía también como Terrome. La melodía suena sola: “terrome terrome tesín tesán terrome terrome te pum bajá”. Otros decían “terrame” y “sacá”. Cosas de chicos. Pero, como dice un personaje de Aira en Madre e hijo, “las diversiones infantiles tardan en perder la gracia”.

Por supuesto, el título no es casual, el juego es una de las constantes de la obra. Los personajes (Él y Ella, según el programa de mano; Lucía y Atahualpa, según lo que ellos dicen) pasan buena parte del tiempo jugando. Esto tiene una explicación más profunda que el simple carácter lúdico del teatro: Terrame es, sin lugar a dudas, teatro del absurdo. En el género, la extrañeza surge de un desajuste en la relación causa-efecto. Este descalabramiento de la lógica con la que estamos acostumbrados a pensar el mundo suele empezar por la herramienta que la expresa, esto es, el lenguaje. Pero, aunque como espectadores asistamos atónitos a esa ruptura, los personajes no parecen percibirla (no siempre al menos) y ese es otro de los rasgos genéricos: la presentación de un universo donde la lógica existe pero no la conocemos. Como en el juego.

Las actuaciones (a cargo de Leandro Iommi y Soledad Sauthier) trazan un interesante in crescendo. Comienzan (o quizá comenzaron en la función que vi) un poco frías, un poco fuera del timming de comedia que siempre ronda al absurdo, pero progresivamente van ganando en intensidad hasta terminar en un muy buen nivel.

El aspecto técnico (que -siempre digo lo mismo- me interesa mucho) es impecable. La música está elegida criteriosamente y va desde La vie en rose sonando en una cajita musical, hasta un Wagner de lo más extraño. La escenografía es buena, con una profusión de cajas de mudanza -anunciada ya desde el programa de mano- que no deja de citar oblicuamente a El Inquilino de Ionesco. Las luces merecen un párrafo aparte (aunque las deje en este mismo): la puesta de Omar Possemato es compleja, sutil, bien coloreada; muy linda, resumiendo. La operación, que presenta ciertas complicaciones, es impecable y no tuvimos que lamentar cambios a cuchilla desubicados ni fades a paso de tortuga.

No suelo contar detalles argumentales y no lo haré aquí, sobre todo porque algunos comprometerían la efectividad de ciertos chistes. Claro, Terrame es una obra muy graciosa, desopilante por momentos. Nada más lejos de mi intención que erosionar su potencial humorístico.

Para cerrar este comentario, quería celebrar la profesionalidad de la propuesta. Siempre es alentador que una primera obra se haga con prolijidad, trabajo y buenas intenciones. A Terrame no le falta nada de eso.

Pueden verla en Huella Teatro (Medrano 535) los sábados a las 21 hs.

Dos mil treinta y cinco (2035), de Elisa Carricajo

2009-05-10T10:01:00.000-07:00

“Imaginar una historia en el futuro suele ser una especie de ejercicio en espejo que pone en juego, al mismo tiempo que proyecta, un determinado vínculo del presente con el pasado. ¿Cómo construir entonces una escena cotidiana que transcurra dentro de unos treinta años? No se me ocurre que vayan a llegar los extraterrestres. Ni que el mundo podría explotar. Nada hace pensar que vaya a haber un cambio que lo transforme todo de un día para el otro y, sin embargo, tantos cambios ocurren todos los días. Una contradictoria sensación parece indicar que en paralelo a una desenfrenada, veloz e inaprensible transformación tecnológica y biotecnológica, pocas novedades nos esperan en otros terrenos. Los vínculos humanos ofrecen extrañas resistencias. Como una babosa gorda y lenta, se arrastran pesados al lado de los cambios y los acomodan como pueden en las maneras de entender el mundo que conocen de antaño. Esta sensación fue el punto de partida de este trabajo.” Elisa Carricajo.

Como decíamos antes a propósito de La patria submarina, el teatro independiente nacional ha construido una tradición de obras que coquetean con la ciencia ficción, presentando mundos futuros. Es notable que estas anticipaciones sean todas distópicas, que nos muestren un mundo al borde de la desaparición. En 2035, en cambio, "el pesimismo se reconstruye en otro nivel" (Aira dixit): en la incómoda constatación de que, dentro de casi tres décadas, las relaciones interpersonales continuarán estando tan viciadas como lo han estado siempre. Según el texto que citamos más arriba (la presentación de la obra en Alternativa Teatral), los paradigmas de interacción más que evolucionar se mantienen al margen del progreso de la "civilización", como si la tecnología fuese -apenas- un obstáculo a vencer para conservar los modos de vida tradicionales. Verán que asimilo "progreso de la humanidad" a "progreso tecnológico". Desde la interrupción de la selección natural o -mejor dicho- desde su tecnificación, el desarrollo tecnológico es el único modo que poseemos para medir la evolución de la humanidad (sí, Nietzsche me guiña el ojo desde El Anticristo). Y no se entienda aquí tecnología como un montón de aparatitos inútiles, sino como la summa de todos aquellos procedimientos técnicos que se articulan tras un fin determinado. Piénsese, por ejemplo, en las tecnologías del poder que describiera Foucault.

Carricajo parece leer, tras la fachada de conflicto familiar que tiene su obra, este desajuste entre el progreso de la humanidad como conjunto (aquel pesado legado de la Iluminismo) y el anquilosamiento de las relaciones entre individuos que, a fin de cuentas, son los componentes de la Humanidad. Quizá por eso las coordenadas espacio-temporales son tan difusas al interior del texto y sólo aparecen en los paratextos: además del título de la obra, en el programa de mano puede leerse “Década de 2030. Buenos Aires.” Si no supiésemos eso, si nos llevaran a ciegas a ver la obra, acaso nos sorprendería el vestuario (pero poco, no es más extravagante que cualquiera de los modelos que cortan los gurúes de la Haute Couture), las paredes termosensibles y no mucho más.

Surge entonces la pregunta: ¿qué es lo que indica que estamos en un futuro más o menos próximo? La respuesta es: fuera de los paratextos, nada. Esto funciona en el sentido que anotábamos antes, es decir, la datación de la historia acentúa el pesimismo de la propuesta ya que, si podemos aceptar que los hechos suceden en 2035, entonces debemos aceptar que esperamos que nada cambie en el transcurso de las próximas décadas.

Saliendo un poco del plano abstracto, me interesa destacar el trabajo de los cuatro actores: Débora Dejtiar, Julia Amore, Paula Acuña y Federico Buso. Parejas, exactas, ricas en matices y en el límite de la comedia y el drama, ninguna de las actuaciones se destaca sobre las demás. Lo cual es una virtud, se entiende.

El aspecto técnico está bien resuelto. No hay música y el campo sonoro se reduce a un timbre de curioso sonido que se escucha -repetidas veces- en un único momento de la obra. Las luces de Javier Daulte (pavada de iluminador) iban a merecer mi crítica, pero un impecable acierto en el final con un trabajo de sombras, me disuadió se semejante propósito. Del vestuario (que es muy bueno) ya he hablado. La escenografía cumple también su función de recorte claustrofóbico del espacio, que anota Diego Braude en Imaginación Atrapada. Ya que estamos, remito a ese comentario para cosas que no tiene sentido repetir aquí.

En fin, un muy buen comienzo de Elisa Carricajo en dramaturgia y dirección, excelentemente acompañada desde lo actoral y lo técnico. Creo que con eso basta para darse una vuelta por el teatro.

2035 puede verse en el Abasto Social Club (Humahuaca 3649) los jueves a las 21 hs. Aprovecho para mandar mis saludos al personal (humano y felino) del Abasto que siempre me trata maravillosamente.

Apuntes sueltos sobre Mecanismos del cortejo

2009-05-08T20:46:00.000-07:00

I

Cuando uno no sabe cómo hilar una reseña y viene intentándolo desde hace semanas, es una buena opción apelar a la posmoderna técnica de los textos fragmentarios. Una delicia haragana de los haraganes tiempos que corren.

II

Mecanismos del cortejo es el título del Proyecto de Graduación que los alumnos de Actuación de IV año del IUNA junto al dramaturgo y director Luis Cano tramaron en conjunto y que ahora muestran en elkafka (Lambaré 866), los jueves a las 21 hs... Respire. Me salió una frase extenuante.

III

La indeterminación de las individualidades, lo por momentos indescifrable del relato, la repetición de acciones o escenas, configura una praxis dramática donde la actuación, el espacio y los vínculos entre personajes se transforman en vehículos para mostrar los mecanismos a los que alude el título de la obra. Y esto sucede en los sentidos de la palabra “cortejo” que Cano anota: el amoroso y el fúnebre. De este modo, sin ponernos psicoanalíticos, podríamos hacer una lectura más o menos inmediata de la relación de opuestos no excluyentes -o mejor convivientes- entre la muerte y el sexo. No la haremos.

IV

El espacio está limpio. Se aprovecha el negro de la sala para trabajar mímesis y contraste. Algunos objetos se funden con la escena, como las sillas que los personajes manipulan y una mochila que carga uno de ellos. Otros objetos -una guitarra y una pelota roja- funcionan, por el contrario, resaltando sobre el espacio vía un contraste de saturación que actúa como focalizador de la mirada y carga a los objetos de una especie de sacralidad que permite su funcionamiento ritual, como en el caso de la lenta procesión (en una cadencia wilsoniana) que encabeza uno de los personajes cargando la pelota como a un ídolo. Por el mismo lugar va el vestuario, trabajado mayormente sobre blanco, negro y rojo.

V

En contra de lo que opina Gabriel Peralta desde Crítica Teatral, diré que la puesta de luces me resultó insuficiente. Parece apenas seguir la acción dramática, iluminar lo que el espectador debe ver. Teniendo en cuenta las posibilidades de trabajo sobre la luz que el planteo de objetos y vestuario permite, es un poco decepcionante no encontrar en las luces variaciones de color, temperatura o, al menos, recortes. Además, por momentos, incomodan. No estoy en contra del minimalismo, pero en este caso resulta inadecuado. Quizá parte de lo que anoto se deba a que la operación en la función que vimos se sintió un tanto errática, con cambios demasiado lentos y algo fuera de tiempo en una obra que necesita de una precisión cronométrica que -por otra parte- está perfectamente lograda desde las actuaciones.

VI

La dramaturgia de Cano me recuerda -vaya uno a saber porqué- a su obra Los murmullos. Por momentos poético y por momentos apoyado sobre la anécdota llana, el texto funciona sin imprimirse completamente sobre el resto de los componentes dramáticos, generando -otra vez- un aura de indeterminación, de liquidez de límites entre lo impuesto y lo heredado como tradición.

VII

Esta última dualidad, según se habrá advertido en los párrafos anteriores, es de algún modo la indagación profunda de la obra y funciona en varios niveles. Como es de esperarse, la tensión nunca se resuelve ni siquiera con el final, que es tan poco conclusivo que obliga a los espectadores a cerrar la obra con su aplauso ante la apabullante posibilidad de que el silencio se prolongue para siempre. Cano y sus secuaces ponen en cuestión también ese mecanismo: parecido al amoroso y al fúnebre, el inestable cortejo del teatro forma parte de esta obra, también.

VIII

No he dicho casi nada sobre las actuaciones. Cosa que resulta sumamente desacertada tratándose de un Proyecto de Graduación de actores del IUNA. ¿O no? La pregunta que subyace es la siguiente: ¿una residencia debe mostrar lo aprendido por los actores durante la carrera, como una especie de exhibición de sus habilidades adquiridas (un repertorio técnico) o, por el contrario, debe poner de manifiesto cómo ese know how (¡ja!) es utilizado para abordar una forma dentro del todo de una obra? Está claro que no responderé aquí. En todo caso, no soy yo el que tiene que contestarla.

IX

La música es linda. Parte se reproduce por bafles y parte se produce en vivo. El efecto que genera el uso diferencial tiene un valor sobre todo climático. La música que escuchamos reproducida entra sin mayores problemas dentro del sistema de convenciones del teatro. La que se produce en escena siempre genera otras cosas, por razones estrictamente teatrales: el hecho de que una persona esté cantando (o interpretando un instrumento) frente a un grupo de espectadores y la espacialidad insustituible de los sonidos producidos sobre un escenario.

X

Leí varias reseñas. Todas insisten en lo temático. Para mí es accesorio. Ya que todos lo hacen, yo también insisto. Lo temático es accesorio.

XI

Crítica literaria perruna

2009-04-09T14:25:00.000-07:00

Días atrás, me compré en saldos un edición que hiciera Leviatán de la Historia de los Libros, de Ilin. Después de leerlo, se lo pasé a mis perras, para que me dieran una opinión. A medio camino entre la Anette Legrand de Andahazi (sí, cito a Andahazi, ¿y qué?) y un Paul Groussac dual y peludo, su crítica fue demoledora. A las pruebas me remito:

Por mi parte, coincido con su dictamen.

Bizarra, de Rafael Spregelburd (Editorial Entropía)

2009-03-13T20:00:00.000-07:00

Parece que este es un tiempo de editores lanzados. Primero, Garamona publica el libro de Strafacce que comentábamos acá. Ahora, Entropía se le anima a Bizarra. Bienvenido sea el coraje. Yo para no ser menos, leo los monstruos y acabo de recibir mi ejemplar de Los Sorias…

Vamos a lo que nos ocupa.

Monumental, delirante e increíblemente divertida, Bizarra es una proeza. Para empezar, es una proeza de escritura. Las nada desdeñables 500 páginas que los 10 capítulos de la obra abarcan en la edición de Entropía son prueba suficiente de ello. Pero no vamos a ponernos en Coca Sarlo (ver Escritos sobre literatura argentina) para hacer un elogio del tamaño, más propio de una Alessandra Rampolla que de la otrora titular en Puán. No, las virtudes de la -extensa, para qué negarlo- obra que nos ocupa van mucho más allá de la cantidad de páginas. Lo primero que hay que notar es la pasmosa seguridad de Spregelburd para manejar el monstruo y sus más de 100 personajes, dosificando con justeza la intriga, ramificando el relato, aprovechando los recursos del género y trasgrediéndolos al mismo tiempo. Luego (el orden es provisorio), y más allá de estas destrezas técnicas, surge la apropiación de la realidad post-crisis del 2001: la miseria, las manifestaciones (marchas), la pertinencia o no de ciertas prácticas discursivas que se ahogan en su propia retórica, la “crisis de representación”. Finalmente, sorprende lo fácil de leer como literatura que es este “residuo” (Bartís dixit) textual, cosa que no sucede con otras obras de Spregelburd sin cuyo correlato escénico resultan directamente ininteligibles.

Hablando de correlatos escénicos, Bizarra es también una proeza en el sentido más teatral del término. Cosa que incluye a la escritura para la escena, claro. Pero que también abarca el montaje sucesivo de los 10 capítulos, los ensayos casi simultáneos a las funciones, los 50 actores, un público que se transformó en fanático de la obra y hasta un merchandising de lo más cachivachero. Por esas épocas, el teatro tomaba por asalto la tétrica realidad del país. Si antes la política había sido víctima de la desdelimitación de la teatralidad y lo político parecía poder leerse con las herramientas de la teoría teatral, después la “crisis de representación”, el teatro recuperaba su lugar poderosamente, arrastrando y convirtiendo en procedimiento dramático las devaluadas prácticas discursivas sobre -y desde- las que se había derrumbado el sistema democrático.

Ahora, una consideración un poco más teórica sobre género (1). En especial, sobre el hecho de que la obra sea una "telenovela teatral". La tensión entre respeto y transgresión a las reglas del género funciona como una mecánica de puesta en riesgo de la realidad. El conjunto de reglas de género, a la vez que lo define en tanto práctica artístico-discursiva, engendra una comunidad de sentido cuyo único factor aglutinante es, a priori, la aceptación expectatorial de ese conjunto de preceptos genéricos. Como es evidente, la comunidad de sentido será tanto más amplia –potencialmente– cuando mayor penetración social tenga el género que la delimita. Decimos que el par dialéctico abierto respeto-transgresión pone en riesgo la realidad, porque, a la vez que mantiene los lazos genéricos, desestabiliza el equilibrio interno de la comunidad de sentido al trasgredir parte de su base, digamos axiomática, sin reemplazar los preceptos quebrados por otros: En ese sentido, Bizarra –aprovechando los recursos genéricos de la telenovela: lo melodramático, por ejemplo–, demuele uno por uno los discursos políticos mostrando su inadecuación y evidenciando la falta de norte de la clase política argentina.

Además de estas características propias del texto, no podemos obviar las virtudes de la edición, que no son pocas: cómoda de leer, cuidada (no recuerdo errores ahora mismo), muy linda, con una extensa entrevista a Spregelburd que le realizara nada más y nada menos que Javier Daulte.

Por los motivos enunciados más arriba y por muchos otros, celebramos la edición de esta obra fundamental del teatro argentino.

P.D.: Sí, sigo con Spregelburd. Me van a tener que bancar: debo dos reseñas todavía. Pronto, se vienen Acassuso y algo más decente sobre Lúcido. Será 2x1

(1) Esto está tomado más o menos textualmente de un artículo que escribí sobre las relaciones del teatro de Spregelburd con el cine. Pero como no se publicó aún, no puedo remitirlos a la fuente. Sabrán disculpar.

Vuelve Lúcido, de Rafael Spregelburd

2009-02-22T21:36:00.000-08:00

Sí, de acuerdo, estarán podridos de que me la pase haciéndole publicidad a Spregelburd. Yo no tengo la culpa de que el hombre haya tenido un 2007 y un 2008 inspirados. Si las obras son buenas, hay que darles bola. Así es la cosa.

Lúcido es la primera de la seguidilla de 5 obras que el dramaturgo, actor y director estrenó desde 2007 y que terminó con La Paranoia. Las otras son Bloqueo, Acassuso y Buenos Aires (que todavía no vio la luz en la ciudad que le da nombre). Además de este dato anecdótico, Lúcido es una excelente opción para ver. Divertidísima pero de trasfondo oscuro, con un texto impecable, actuaciones parejas (todas sólidas), lindo diseño de escenografía y luces. En fin, una obra redonda con un final inesperado, para gente que -todavía- no se anima a los monstruos spregelburdianos de 3 horas. Y para los que nos animamos también, qué joder.

No hago ni siquiera el intento de decir algo perspicaz sobre Lúcido. Dejo, apenas, el comentario del programa de mano y los datos que nuestros lectores necesitan para convertirse en espectadores teatrales:

“De niños, una hermana dona un riñón a su hermano agonizante. Ambos sobreviven, pero a un costo enorme. Pocas familias conocen orden más disfuncional que ésta. Años más tarde, la hermana vuelve de Miami y reclama lo que es suyo. De más está decir que la negociación es pesadillesca, y que toda lucidez es esporádica. Habrá que encontrar un orden allí donde no lo hay”

Lúcido hace funciones desde el viernes 27, a las 22:15hs en Andamio 90 (Paraná 660). El que se la pierde se jode.

Búsquedas bizarras - I

2009-02-15T17:11:00.000-08:00

El contador de visitas -ese aparatito que permite ilusionarse/desilusionarse de acuerdo al incremento o no de la gente que ingresa a este blog- tiene una cantidad de funcionalidades. Entre ellas se cuenta la de indicar desde qué página llego el oportuno visitante. Algunos llegan directamente escribiendo "http://150monos.blogspot.com" en su barra de direcciones y esos figuran como "Unknown". Otros llegan desde enlaces y aparecen con la dirección del enlace. Un caso particular de esto último es Google, cuando la gente busca algo y entra desde el link del buscador. Como Google agrega la búsqueda al URL de la página de resultados, la consecuencia es que puede verse la búsqueda que la persona realizó y por la que acabó entrando a este blog. Algunas son típicas, digamos, "Osvaldo Lamborghini una biografía de Ricardo Strafacce". Otras son decididamente increíbles, inexplicables y, claro, desopilantes. Aquí abajo va una selección de ellas, con sus países de origen (conservamos las grafías de los originales y no hay orden alguno, salvo que dejé algunas de las mejores para el final):

- monos con diplomas (México)

- Juegos de el mono jorge (México)

- dejen de contar que fue la numero cincuenta en el espacio (Argentina)

- monos que nadan (Bolivia)

- como hacer monos (México)

- como es el numero dos mil cincuenta y cuatro en numeros (Perú)

- rafael loco monitos (México)

- mono que exprese en 7 idiomas (Perú)

- paginas para dejar datos de taxi boy (Argentina)

- monos chupados (Argentina)

- poesia de monos (España)

- numeros de telefono de monos bebes (Gallego loco)

- descargar a banana mecanica (Otro gallego loco)

- en donde puedo leer pensamientos que traen monitos muy bonitos (México)

- pagina escribir una cosa a y el mono lo diga (Chile)

Taller de poesía y edición

2009-02-09T18:37:00.000-08:00

Nuestro colaborador, amigo y magnífico poeta Daniel Durand abre la inscripción para su Escuela de Poesía. Pero eso no es todo. Es decir, no sólo se aprenderá a leer críticamente la poesía ajena y a escribir la propia, sino que, además, el pergeñador de Ediciones Deldiego y la Colección Chapita (entre otras míticas editoriales de poesía) enseñará los secretos del milenario arte de la edición de buenos libros.

Los interesados pueden escribir a escueladepoesía@gmail.com o llamar al 4957-6366, anteponiendo 011 si es que llama desde el interior, e incluso 54 si se trata de uno de los numerosos lectores internacionales de 150monos.

Para más información, consúltese el link de arriba o el siguiente blog: http://escueladepoesia.blogspot.com

Entrada suprimida

2009-02-09T15:06:00.000-08:00

Como la intención de este blog no es hacer polémicas fuera de lo estrictamente artístico -y eventualmente político-, retiré el último posteo, que se prestaba a tristes confusiones.

Poemínidos - Fuera de número

2009-01-24T22:55:00.000-08:00

Acá dejo un soneto sin título de Rosa María Gutman, poetisa ignota que pudo formar parte de mi sección sobre poetas olvidados. El resto de los poemas del libro (Cielo y mar, Edición de autor, 1947) son tan malos que no hubo modo de juntar los suficientes como para cubrir la escueta página de la revista. Ergo, publico acá el soneto en cuestión, a modo de homenaje y para justificar los dos pesos que me costó el volumen. Je.

Yo no quiero una tumba con mi nombre
donde se quiebren rosas y azaleas,
donde mengüe el paso de los hombres
como mengua en la playa la marea.

Yo no quiero maderas ni carraras
ni cruces, ni panteones, ni cenizas.
Enterradme debajo de una parra
si os espantan las tierras porquerizas.

¡Allá Caronte con el óbolo que pide!
¡Allá los hórridos gusanos de las fosas!
¡Allá la Iglesia con su Infierno baladí!

Cuando muera prefiero que me olviden.
Si al fin el vasto mundo con sus cosas
también se habrá perdido para mí.

Declaración

2009-01-18T15:39:00.000-08:00

Revista Ñ, Nº273, 20/12/2008

Ciento Cincuenta Monos repudia con absoluta convicción el haber sido publicada sin consentimiento en Ñ, suplemento cultural pedorro del multimedios Clarín, empresa monopólica dirigida por una apropiadora de bebés durante la dictadura.

P.D.: La tardanza se debe a que no teníamos cómo digitalizar el texto.

Quiera el pueblo votar...

2009-01-09T19:38:00.001-08:00

Cualquiera que haya leído la biografía de Osvaldo Lamborghini que comentábamos antes sabrá de qué hablamos cuando hablamos de Zilio. Para los que no tuvieron la suerte, les diré que se trata de una novela de César Aira que mereció el entusiasmo devocional del gran Osvaldo Lamborghini, quien se afanó por publicarla. Nunca pudo.

Un poco en homenaje al deseo incumplido del autor de El Fiord y otro poco por admiración al de La liebre, 150 monos decide hacer uso de la suma del poder público y empujar a Aira para que dé la novela a la imprenta. Entiéndase "suma de poder público" como la suma de los votos de nuestro poderoso -pero amable- público. Es decir: voten en la encuestita que está acá a la izquierda.

Es un click, pequeños saltamontes. Y tengan en cuenta que, aunque la democracia no es "el mejor de los sistemas posibles", todavía no se nos ocurrió como hacer la revolución en un medio tan poco marxista como el blog.

Destino - Bastardos

2008-12-30T19:18:00.000-08:00

Bastardos, la banda que mi hermano comanda en guitarra y voz, sacó a las calles su primer disco Defectos.

Los que anden buscando rock duro, arreglos poderosos y buenas letras, pueden escuchar el corte de difusión La Noche acá (sin cargo, más vale) y, si se vuelven fanáticos de repente, pedir una copia de CD a bastardos.rock@gmail.com.

¡Rocanrol, nena!

P.D.: También hay making off del disco disponible en youtube

Osvaldo Lamborghini, una biografía

2008-12-19T20:03:00.000-08:00

Estoy preguntándome cómo voy a escribir esta reseña. Sucede que hay libros que disparan miles de lecturas a medida que uno avanza por ellos y otros que dan una sensación tan fuerte de completitud que parecen invalidar cualquier glosa que pueda intentarse. Este último es el caso de Osvaldo Lamborghini, una biografía, de Ricardo Strafacce. Hace un par de semanas que terminé de leerlo y todavía no sé muy bien qué voy a decir de él.

Empecemos por dos adjetivos: apabullante y formidable. Por su increíble caudal de datos, por la extravagante vida del biografiado, por el modo impecable en que ésta se entrecruza con su literatura, por la soltura narrativa del biógrafo. Ricardo no es un periodista de Clarín que escribe sobre algún personaje más o menos notorio de la actualidad (ahí están como ejemplos, las recientes biografías de D’Elía, Moyano y Moreno), sino un novelista. Y de los buenos. Esto es casi ineludible para que un libro de casi 900 páginas de letra más bien chica, resulte por lo menos legible. Aunque, para hacer honor a la verdad, éste no sólo es legible, sino que es atrapante. Bueno, se me cayó otro adjetivo.

No creo que tenga demasiado sentido hacer aquí un resumen del “contenido”. Supongo que todos se lo imaginan. Desde la abuela Lamborghini hasta la muerte de Osvaldo, su vida -y aledaños- se despliega bajo todos los calificativos que ya enumeramos arriba. Pero, como decía Garamona (el editor) en la entrevista que le hiciéramos para el número 3, la biografía es también un friso de la época, donde las tropelías de O.L. sirven como excusa para leer las tensiones políticas, culturales y sociales que atravesaron (atraviesan, acaso) una época.

A propósito, me resulta interesante poner en relación el recorrido político-literario de Lamborghini y el de algunos de sus contemporáneos. Mientras que la radicalización de la militancia significó el cese de la producción literaria para varios de los escritores centrales de la época, ya sea por razones filosófico-político-éticas (como es el caso de Walsh en un comienzo) o por la desaparición y luego la muerte (como Paco Urondo, Miguel Ángel Bustos y el propio Walsh después de la Carta abierta a la Junta Militar); Lamborghini parece recorrer el camino inverso. La irrupción de El fiord, ese texto límite, parece inhabilitar la militancia que, tibia pero orgánicamente, O.L. ensayaba en esos tiempos.

Ahora me voy a pelear con Tabarovsky. En su columna de Perfil del 29 de noviembre, pone en paralelo el libro de Strafacce con Borges a contraluz, de Estela Canto y con La operación Masotta, de Correas. Más allá de que él mismo se desdice en el artículo, cuando propone que las dos “biografías” replantean el género (cosa que, por supuesto, hace todo gran libro), Tabarovsky no parece advertir una diferencia fundamental: tanto la de Canto como la de Correas son biografías escritas en contra del biografiado y, en todo caso, permiten una suerte de pirotecnia resentida, una catarsis del tipo de la que Gusman ensaya en el texto incluido en Y todo el resto es literatura (Interzona, 2008). Strafacce, en cambio, escribe desde una positividad furiosa y segura de sí misma. No desde un recuerdo mañoso y malintencionado, sino desde la posición de un novelista que ha recopilado cantidad de datos y testimonios y se dispone a construir con ellos un libro que no niegue ni afirme del todo ninguno de ellos. La única verdad indubitable es, entonces, la verdad del estilo.

Ya que hablamos del estilo, el de Strafacce es decididamente clásico. La Licenciada Turdera opina, desde la contratapa de La Boliviana, que Ricardo escribe “como una vieja”. Tampoco es para exagerar. Pero sí podemos decir que equidista tanto del barroco (del neobarroco, en todo caso) como de la prosa pelotuda y ATP de cierto grupete de escritores “noventosos”. Su carácter clásico emana, justamente, del equilibrio, de las proporciones exactas de sobriedad, humor caústico y decisiones acertadas (el final es una de ellas). De la conjunción de este estilo, ciertos procedimientos narrativos y la extraña vida del protagonista, emerge una biografía que puede ser leída en la tradición de la novela decimonónica. Por el uso del folletín al mejor estilo Dickens, por ejemplo. O por esa bipolaridad Goliadkine-Raskolnikov que parecía cultivar, posiblemente a pesar suyo, Osvaldo Lamborghini.

Por si todo lo dicho fuese poco, Strafacce se da el lujo de intercalar fragmentos inéditos y, lo que es más notable, análisis sumamente atinados de la obra lamborghiniana. Está claro que un biógrafo no tiene ninguna obligación de leer críticamente a su biografiado. También está claro que la mayor parte de las veces que eso sucede, el resultado es más bien desechable. Aquí, en cambio, la lucidez de Strafacce fulgura contra la opacidad del libro que citaba más arriba (Y todo el resto es literatura). Otro poroto para Osvaldo Lamborghini, una biografía.

Llegado a este punto, me sorprendo de eso, de haber llegado a este punto. Y sin hacer manganetas aprendidas de Lope (ya saben: “Un soneto me manda hacer Violante, / que en mi vida me he visto en tanto aprieto; / catorce versos dicen que es soneto, / burla burlando van los tres delante.”). Pero ya es suficiente. Comentar, más o menos tontamente, un libro de las características del que nos ocupa, siempre es ocioso. Lo que hay que hacer es comprarlo. Dejarse de chácharas y comprarlo. O pedirlo prestado. O algo así. Y leerlo. Ese es el punto. Por cierto, si usted, señor/a, es de los que prefiere mirar la última página del diario y, mientras se aburre en la sala de espera del dentista, detenerse apenas en las opulentas postales que traen las revistas, sin reparar siquiera en los pies de foto, el libro trae unas treinta láminas fuera de texto con fotos inéditas. Aunque, pensándolo mejor, siga con la Paparazzi y no se moleste.

Nota: Una situación estúpida: Soy un cavernícola que todavía no compró su celular con cámara de rigor, un desafortunado que tiene el scanner roto y un seco que no llega a la CyberShot. Así que, con el libro en la mano, no tengo modo de postear una imagen decente de la tapa. Robo la que está en Lilith Libros y, para no quedar tan mal, sumo la de Ricardo que tomo de nuestra propia revista.

Salió La Costurerita

2008-12-15T19:41:00.000-08:00

Finalmente, se produjo la esperada aparición de la revista de poesía que dirige Carlos J. Aldazábal. En el tono de la editorial El Suri Porfiado (también de Aldazábal que, parece, se dedica a cosas más que interesantes), la revista cuyo nombre cita a Carriego y a Olivari, viene con buen diseño, nombres rutilantes y excelentes textos. Encima, se ve que tienen un ojo aguzadísimo para las recomendaciones: por ejemplo, recomiendan 150monos. Je.

Acá dejamos la tapa del número 1, para que se encandilen con el desfile de notables:

Aunque no sabemos a ciencia cierta, suponemos que se puede comprar en las siguientes librerías:

Librería de las Madres -Hipólito Yrigoyen 1584 (Congreso) tel: 4382-3261
Librería Santa Fe - Av. Callao 335 (Centro)
Gambito de Alfil - José Bonifacio 1402 (Caballito)
Libreria del Mármol - Lavalle 2015 (Centro)
Norte - Avda. Las Heras 2225 (Barrio Norte) tel: 4803-3944
Librería y Florería Savia -Honduras 5328 (Palermo)
Otra lluvia libros -Bulnes 640 (Almagro) tel. 4866-4440
Boutique del libro -Thames 1762 (Palermo viejo) tel: 4833-6637
Paidós del Fondo - Santa Fe 1685 (Centro)
Fedro - Carlos Calvo 578 (San Telmo)
Antígona (C.C.C) - Av. Corrientes 1543 (Centro)

Si no tienen suerte, prueben escribiéndole al Suri: elsuriporfiadodistribucion@gmail.com.

Desde 150monos, 300 palmas de manos y 300 de pies aplauden la salida de La Costurerita. Lástima que no la podamos sumar al SIRENA sin temer las represalias de los grupos de choque feministas... Es chiste, ¡es chiste!.

Una llanura, de Pamela Bertoni

2008-12-05T19:58:00.000-08:00

Aprovechando las virtudes multimedia de los blogs, 150monos estrena espacio cinematográfico con Una llanura, cortometraje de Pamela Bertoni, quien además es poeta, fotógrafa y artista plástica.

La peli, cuyo argumento no voy a contar para no ser aguafiestas, tiene -entre otras virtudes- un tratamiento de luz muy interesante: haciendo honor a su vertiente pictórica, Bertoni recorre un camino que va desde Magritte (el plano sobre el que sobreimprime el título, al comienzo, recuerda vagamente a El imperio de la luz) hasta Juan Lascano, cuyas naturalezas muertas resuenan en el primer interior en la casa del paisano. Por otro lado, hay un laburo minucioso con la mirada. Mientras en los interiores la cámara se detiene largamente en planos cerrados sobre los objetos, como una intrusa curioseando; en los exteriores la sensación de inmensidad se acentúa aprovechando la profundidad de plano.

Para terminar estas vaguedades, permítaseme notar el contraste que genera la limpieza narrativa, que rehuye de los golpes bajos, con la rara sensación de amenaza que sugieren algunos contrapicados que toman al protagonista desde el suelo, entre la maleza.

Bueno, suficiente. Acá está para ver. Y completa:

número 4

2008-11-20T17:34:00.000-08:00

luego de ya demasiados meses de demora,y a riesgo de resultar reiterativos, pedimos disculpas al público lector (si es que nos queda) y a todos los que colaboraron con la revista.

y aquí abajo, el índice del dilatado número cuatro, con un invitado especial de méxico y muchos de argentina.

INDICE

Kimono
Selección, Daniel Durand
El ruido entre las flores, Juan Diego Incardona
Selección, Eduardo del Estal

Monoambiente
Como gotas de polen, Juan José Burzi
Barda alta, Antonio Ramos Revillas (México)
El inicio del juego, Camilo Pasqualini

Mono con navaja
Ríos de olvido, Martín Glozman
Primer avance sobre pornografía y literatura, Juan Terranova

Mono con brocha gorda
La Pintura como acto de violencia, Eduardo del Estal
El monstruo autobiográfico

Poemínidos
Rafael Spregelburd, Santiago Sánchez Santarelli

Mono con navaja
Yo soy otro, Luis Cano

La banana mecánica
Las películas son una conspiración, Marcos Vieytes

La del mono
Pornosonetos, Luisa Kaufman

Ilustraciones: Armando Andrés Rodríguez
Última página: Gustavo Sala

el número cuatro se puede bajar de acá!

El monstruo autobiográfico - Eduardo del Estal

2008-11-19T16:53:00.000-08:00

Aquí pueden descargar la versión completa del texto, según se promete en la revista.

Como una piedra de Rosetta, está escrito en tres lenguajes más o menos paralelos, pero más o menos entreverados también, viviendo en una zona intermedia entre la distancia insalvable y la coincidencia punto a punto. A diferencia de la famosa piedra, aquí ningún lenguaje nos es del todo conocido y tendremos que asignar un conjunto arbitrario de significados a alguno de ellos para descrifrar los restantes. A fin de cuentas, lo hacemos todo el tiempo.

Realizadas estas aclaraciones, vaya una guía de lectura para la buena inteligencia del texto.

Guía de lectura:

- Todo lo escrito en negrita o negrita cursiva, cuerpo 12, constituye la nota biográfica básica.
- Los párrafos en cuerpo menor actúan como un eco del texto principal, como “discantus” de tono poético.
- Finalmente, el resto, escrito en tipografía normal o normal cursiva, son las bifurcaciones o trayectorias de desvío que operan un contexto en dispersión.

No es fácil beber juntos o no sé muy bien por qué te envidio, de Gisela Fantacuzzi

2008-11-16T20:18:00.000-08:00

Mi andamiaje teórico en lo que a la danza respecta es bastante flojo. Para no decir inexistente. Así que cuando decidí ir a ver al Borges la obra que dirige Gisela Fantacuzzi sabía que mi posición expectatorial iba a ser medio ingenua. Digo medio, porque la otra mitad de la cosa es teatral: No es fácil… es un espectáculo de danza-teatro. Así que las desarrapadas impresiones que vuelque en adelante serán medio banales. De la otra mitad, directamente no respondo.

En palabra de la directora: “La obra / performance indaga en las condiciones del diálogo y los vínculos humanos, permitiendo todas las posibilidades de diálogo entre los cuerpos. Busca en la espontaneidad de los intérpretes, e instala preguntas acerca del deseo, la sexualidad, la envidia y el hacer cotidiano.”

Si hay un adjetivo que resume la impresión que recibí, ese es “perturbadora”. Claro que, como en toda expresión poética, pretender que sea resumible es una pavada de grueso calibre.

Las relaciones dialécticas entre un cuerpo y una música siempre transitan el camino de la metáfora. Así era con los rituales de los pueblos primitivos y así sigue siendo con los rituales que paquetas señoras con paquetes esposos contemplan en paquetes teatros cuando van a ver ballet. No importa que la melodía no suene en los parlantes (como sucede en el Solo de apertura que interpreta la propia Fantacuzzi), los espectadores se encargan de inventar la que corresponde a ese baile. Si las comparamos, posiblemente no haya dos iguales. Así de poco unívocas son las relaciones entre el cuerpo y la música.

Entonces, la labor dramatúrgica o coreográfica en este tipo de obra consiste, esencialmente, en la construcción de signos huecos, de metáforas sin referente inmediato que los espectadores se encargarán de completar. Así, la eficacia de un espectáculo podría medirse (tómense estos verbos imprudentes en un sentido poco literal) por los resortes que toca en el público. Y No es fácil beber… da -apabulladoramente- en el blanco.

La potencia de la obra se basa en varias patas que funcionan simultáneamente y se retroalimentan. Por un lado está el excelente trabajo de luces que propone una sucesión climática extremadamente interesante, sin alardes, pero efectivísima. Por otro, la pericia de los performers y los recorridos coreográficos que siguen. Finalmente, la notable fuerza dramática de las situaciones que se representan: vaya como ejemplo el angustiante monólogo de Mailén Valdez, que parece ahogarse mientras bebe de un vaso de agua. Ah, por cierto, también la música es muy buena.

Bueno, no voy a extenderme más sobre un tema que no domino a fondo. No es fácil beber juntos puede disfrutarse los domingos a las 20:00hs en el Centro Cultural Borges (Viamonte y San Martín). Vale la pena ir y, una vez terminada la obra, salir preguntándose cómo es que el arte, sin hablar de nada en especial, puede plantear interrogantes tan inefables. Definitivamente, perturbadora es la palabra. Y bella. Como una femme fatal.

Pablo Iglesias x 2: Cascarita y La patria submarina

2008-11-12T19:13:00.001-08:00

El sábado fuimos a ver las dos obras que el director y dramaturgo tiene en escena. Primero fue Cascarita. No luce ni cierra, en La Ranchería y luego, subte mediante, La patria submarina (primera misión), en el Abasto Social Club. Las obras son lo suficientemente diferentes como para que juntarlas en el mismo post sea una empresa osada. Pero coraje es lo que sobra…

Cascarita es el seudónimo de un hijo de puta, como dice la crítica de la revista Llegás a Buenos Aires. Que además sea un escritor es anecdótico. Porque este hombre, que queda encerrado en un bar por culpa de una manifestación, un viernes de paro, se define a sí mismo como escritor. Lo cierto es que, durante la representación, lo único que logra plasmar en un papel es su número de teléfono. Y a eso, conceptualismos aparte, no lo podemos leer como literatura.

La obra funciona por contrastes y repeticiones, a varios niveles. Los contrastes están en Cascarita, por momentos seductor y dulce, por momentos de una violencia psicótica incontrolable, a veces cruel, a veces tierno, ganador y perdedor absoluto al mismo tiempo. Pero también hay contrastes de actuación, entre la gestualidad límite de Minetti (de gran trabajo) y la sutileza de Perisson, entre la verborragia del primero y el silencio apenas roto de la segunda. Finalmente, hay un contraste de signo espacial que se mantiene como contrapunto en el devenir de la obra: la extraescena amenazadora de la manifestación que parece calmarse y finalmente estalla en la represión policial; y la escena que tiene un in crescendo de violencia para terminar lacónicamente. Las repeticiones aparecen como reduplicación de la estructura narrativa en los diferentes niveles diegéticos: igual que los cuentos de Cascarita, se repite su vida y la obra que vemos.

El campo sonoro, salvo por el quilombo de la protesta como “música de sala”, se reduce al discurso aluvional del pretendido escritor. Y es ese discurso, casi ininterrumpido, el que conecta los elementos más o menos dispersos de la obra. Alejandro Catalán decía, hace unas semanas en una mesa de debate de Tecnoescena, que hacer dramaturgia hoy pasaba por reunir elementos dispersos. Aquí, el elemento conectivo es, repetimos, el discurso de Cascarita, que no sólo vincula la historicidad del personaje con sus acciones y rasgos presentes, sino que liga los espacios externo e interno, cierta ilusión de clase y de intelección política del protagonista con la otredad del exterior, y a los dos personajes. Estos vínculos, claro, no son unívocos, sino que transitan una zona de fluidez que mantiene al espectador entre el rechazo absoluto y la pasmosa identificación.

Hay un interesante trabajo de luces también, a pesar de que no se utiliza el color. A lo largo de la obra, el relato lumínico enfatiza o alivia la presencia de los personajes sobre la escena y dirige la mirada del espectador. La luz no es un simple efecto técnico, sino un recurso dramático que se utiliza, para decirlo de algún modo, como los pedales de un piano.

La patria submarina (primera misión) va por otro lado: es prácticamente opuesta a la anterior. Entroncada en una tradición que le ha dado grandes satisfacciones al teatro argentino (Postales argentinas y La Paranoia, por nombrar sólo dos) es una obra apocalíptica, casi de ciencia ficción, que narra la destrucción del mundo -que acaba bajo el agua- y el intento de un grupo de militares, encerrados en un submarino, por mantener viva a la especie humana. O, por lo menos, al Homo Argentinensis.

Las diferencias con la otra obra que Iglesias tiene en cartel son visibles apenas uno entra a la sala. En contraposición a la esquemática escenografía de Cascarita..., aquí se presenta un camarote de submarino hiperrealista. Además, hay tres televisores que transmitirán en vivo las directivas de La Capitana (Liliana Weimer).

La misión que refiere el título es la obtención de un bebé humano no contaminado de una misteriosa enfermedad que parece acechar en la superficie. Los encargados de llevarla a cabo son René (Clara Virasoro) y Hoyos (Darío Pacheco), un futuro buzo de las FOE: Fuerzas Operativas Especiales (otro punto de contacto con La Paranoia: recordemos que el coronel Giácomo Brindisi pertenecía a Operaciones Especiales). Pero el buen muchacho, bastante cohibido y obsesivo, tiene serios problemas para llevar adelante el coito, muy a pesar de su desinhibida partenaire que quiere liquidar el asunto lo más pronto posible. Y aparece el tercero en discordia, Alonso (Martín Paladino). Y luego, un niño de dudoso ascendiente ("la partenidad es un acto de fe", ha dicho Goethe). Todo se complica hasta lo inverosímil.

Como buena "literatura de anticipación" que se precie de tal, La patria… habla de un lejano futuro para hablar de un cercano presente o, incluso, del pasado. Las desmesuradas dádivas que La Capitana les promete a René y a Alonso, incluyendo cadenas de restaurantes y barrios enteros; la necesidad de repoblar la Argentina que remite a la ola inmigratoria que propiciaron los gobiernos argentinos a partir del siglo XIX; la obligatoriedad del festejo navideño (para esto valen las consideraciones que Andrea Garrote hiciera sobre su mandamiento); todo hace eco e interpela a los espectadores. Ferozmente a veces.

A un trabajo desopilante de Pacheco, se suman las correctas actuaciones de sus tres compañeros. Pero claro, es difícil superar a un hombre, proyecto de buzo, que come nueces para calmar su ansiedad, vestido con un mameluco anaranjado y haciendo una variedad de sonidos casi inexplicables.

El único reparo que voy a hacer (y quizá es un comentario de obsesivo) apunta a la reproducción por los bafles de sala del llanto del bebé que, supuestamente, está en la cuna. Es un detalle menor pero la pérdida de espacialidad o, mejor, de especificidad espacial del sonido resulta molesta. Hace ruido.

Ahora, nos ponemos la peluca blanca y nos transformamos en Hegel para sintetizar estos dos términos antagónicos en una conclusión única: vayan a verlas. Dos propuestas completamente distintas, de un mismo director, ambas de gran calidad.

Cascarita… puede verse los sábados a las 20:30hs en La Ranchería (México 1152) y La patria… los mismos días a las 23:15 en el Abasto Social Club. Juro que pueden verse las dos en una misma noche. Yo lo hice, sobreviví para contarlo y encima escribo esta reseña. Es prueba suficiente.

ATP: El Hansel y la Gretel, de Matías Vitali

2008-11-09T20:05:00.001-08:00

El domingo fui a El Bululú. A ver un “infantil”. Son perspectivas sombrías para quien se lleva pésimamente con los stand-ups y los varietés (el Bululú se especializa en esos géneros). Ni hablar si, encima, a uno se le quema el gorro cuando ve una obra para chicos que los trata como si fuesen estúpidos, cosa que sucede con gran parte de lo que está en cartel. Pero como confiaba en el buen criterio de Vitali y en su creatividad, junté coraje y fui. Y, contra todos mis prejuicios, me divertí muchísimo.

La obra, una variante semi-musical del archifamoso cuento de los hermanos-germanos Grimm, está escrita directamente en contra de ciertos preceptos del género. Por ejemplo, la idea de que los padres sólo pueden lamentar el tiempo perdido en el teatro mientras ven un “infantil”. O que los bonitos niños no entienden nada y todo debe serles recalcado 100 veces. O que los ángeles son perfectos e infalibles y las brujas malas e irredimibles.

El Hansel y la Gretel presenta un ángel bastante torpe, que dice mal sus fórmulas mágicas (como el rabí de Borges, que pifia cuando hace el Golem); una bruja que imposta su maldad buscando pertenencia social; y otras maravillas. El proceso de deconstrucción sobre los personajes arquetípicos de la narrativa popular tuneada por los Grimm se traslada también al discurso, que se desdobla en, al menos, un par de niveles: el que hace a lo estrictamente narrativo y el intertextual, apuntado a los padres. Por ejemplo, citando a una famosa serie televisiva de estos tiempos, cuando Hansel descubre que se han perdido en el bosque grita “We are lost!”.

Pero Vitali no se conforma con esas innovaciones temáticas, sino que apela también a lo formal, utilizando recursos que uno supondría pertenecen en exclusividad al teatro para adultos. Uno de ellos es la explicitación del carácter representacional de lo que se está viendo y de la condición dual del actor: actor-personaje y actor-persona, o cuerpo poético y cuerpo natural-social, en los términos de Dubatti. El público más joven, a pesar de los prejuicios, sigue con absoluta conciencia estos “saltos ontológicos” (Dubatti) y se divierte tanto o más que los adultos descubriendo que un mismo cuerpo de repente pertenece a una bruja que elucubra planes para morfarse a los hermanitos, y un instante después pasa a ser una actriz que reclama más fervor del público.

Las cuestiones que uno podría llamar la “ficha técnica” de la obra están muy bien. La música, el vestuario, la escenografía y las luces cumplen su función sin molestar en absoluto. Las actuaciones son sólidas, hilarantes por momentos y profundas por otros.

El Hansel y la Gretel está haciendo funciones los días domingo a las 16:45 hs en El Bululú (Rivadavia 1350). Señora: puede llevar a sus chicos con toda tranquilidad y, ya que está, reírse un poco usted también. Eso sí, si tiene sed, tome algo antes de entrar: los precios del bar son un poco…mmm.. cómo decirlo… turísticos.

Editaron el Teatro proletario de cámara, de Osvaldo Lamborghini

2008-11-08T08:49:00.000-08:00

El miércoles pasado en el Centro Cultural de España en Buenos Aires se presentó la impensada edición del último gran proyecto lamborghiniano y, quizá, el último gran mito bibliográfico de la literatura argentina. Digo impensada, porque pocos confiaban en las posibilidades reales de llevar a libro esas 8 carpetas inconclusas, mecanografiadas a medias y a medias manuscritas, llenas de imágenes intervenidas y huecos. Pero Anxo Rabuñal, el editor, parece no haberle temido a esa serie de complicaciones.

Las características de la edición merecen ser anotadas: 300 ejemplares numerados, encuadernados en PVC serigrafiado y en caja de editor, con cortes dorados. Además, las 552 páginas son facsímiles de las de las carpetas, así que el libro tiene el interés adicional de reproducir tan fielmente como es posible el original de Lamborghini.

La única contra es el precio excesivamente alto del volumen: €130. Unos 550 pesos. Y, si se suma a esto la pronta distribución en librerías de la formidable biografía de Lamborghini que escribió Ricardo Straface, los fanáticos pudientes de Lamborghini tendrán que desembolsar la nada desdeñable cifra de 770 mangos. Salvo que algún mecenas oportuno decida donar a este cronista dicha suma, yo me conformaré con comprar el libro de Ricardo en cómodas cuotas. Y, hasta que el Teatro de cámara no tenga un precio proletario, lo lamentaré.

Ya me olvidaba. La presentación estuvo a cargo del editor, de César Aira (prologuista del libro) y de Straface.

Poco queda por editar de Lamborghini ya. Creo que hay unas novelitas pornográficas. Y acaso alguna vez se edite la correspondencia. Entre tanto, me voy a vender sahumerios a los semáforos, hasta juntar 130 euros.

El otro señor G, de Alfredo Martín

2008-11-02T09:55:00.000-08:00

El otro señor G es una adaptación escénica de la novela El doble, de Fyodor Dostoievsky. Tarea peliaguda transformar un clásico ruso del siglo XIX (el libro es de 1846) en teatro argentino del siglo XXI. Pero Alfredo Martín parece no temerle a los fantasmas de la traducción y los resultados de esa temeridad se pueden ver en La Ranchería.

El traslado de la novela es todo lo fiel que puede ser una adaptación escénica de ese tipo. Se conservan los personajes, dos actores bastante parecidos interpretan a Goliadkin y a su doble, hasta los nombres rusos han pasado a la obra.

El espacio, inteligentemente construido, funciona sucesivamente como la burocrática oficina donde trabaja el protagonista, como su casa, como un bar, como la casa de Andrei Filippovich donde se da una fiesta, etc. Esta mecánica espacial es correctamente acompañada por el diseño de luces que, incluso, genera momentos de extraña intensidad, como las danzas de sombras que suceden durante los apagones apenas iluminados con luces verdes.

Las actuaciones son correctas, destacándose Luis Aponte en una interpretación de Petrushka -el sirviente de Goliadkin- alejada del personaje dostoievskiano: lo que en la novela es recelo y menosprecio, aquí se convierte en desidia y en hastío. También son interesantes los trabajos de Bracalenti (el doble) con lo siniestro y el de Silvia Sánchez (Klara y la cantinera alemana).

Lo que no terminó de convencernos fue el extenso volcado del narrador a monólogos, que diluían la tensión dramática y dejaban un regusto “literario” nada oportuno. En contrapartida, los dos momentos más poderosos de la puesta (a nuestro entender) escapan a lo verbal-comunicacional: el canto en ruso con su respectivo baile que ensayan, un poco chispeados por el vodka, Goliadkin y su doble; y el opresivo círculo de hombres que asfixia al protagonista, apenas redondeados por un cenital, en una brevísima pero conmocionante escena.

Para aquellos que se preguntan cómo se pueden llevar al teatro las torturadas novelas del genio ruso, Martín ensaya una de las múltiples respuestas.

El otro señor G puede verse los viernes a las 23:00 en La Ranchería (México 1152). Las entradas cuestan $20 y $12 para estudiantes.

gustavo sala al recoleta

2008-11-01T12:09:00.000-07:00

vayan y vean, orangutanes. y no se pierdan el chistín de sala del último número de la revista... que todavía no salió, muejejjee.

Santificarás las fiestas, dirigida por Andrea Garrote

2008-10-20T21:51:00.000-07:00

Santificarás… forma parte de un decálogo sobre los mandamientos del catolicismo para el que el Rojas convocó a diez dramaturgos, en una especie de revés de la Heptalogía spregelburdiana.

La idea del texto es más o menos simple y divertida: una mujer decide contratar a un taxi-boy y hacerlo pasar por su novio delante de su familia -constituida por una tía cruel, un poco tocada, y una hermana anoréxica- en la fiesta de fin de año. La madre murió para la misma fecha, un año atrás. Y su fantasma, aparentemente, vaga por la casa. Pero el taxi-boy no se presenta a la cita. La pobre mujer decide tentar al primer desconocido que se le cruza, bajo la lluvia, para que le salve las papas. Eduardo acepta, vaya uno a saber por qué, y van a pasar un cualquier-cosa-menos-feliz año nuevo a casa de la mujer.

Con ese argumento, uno podría pensar rápidamente en una comedia de enredos. Es más, podría pensar en una clásica comedia de enredos. Pues no. Si bien la puesta tiene momentos sumamente graciosos, lo que predomina es un sentimiento ambiguo de tragedia o, mejor, de desastre. El universo dramático que construye Garrote se define por la tensión que generan en el espectador las enfermizas relaciones que conservan más o menos unida a esa familia extravagante. Como en ciertas obras de Veronese, uno se ríe pensando que debería aterrorizarse o es que está tan loco como los personajes.

La directora dice -con acierto- que es una obra de actores. De actuación. Es decir, la propuesta textual se sostiene sólo a través del trabajo a la vez rotundo y sutil de los actores. Garrote, una experta en estas cuestiones, no defrauda al respecto. Nos sentimos obligados a anotar, quizá injustamente como otras veces, la monstruosa tía que compone Amanda Busnelli, una revelación absoluta.

Resulta interesante leer lo que la directora opina:
"Santificarás las Fiestas" es el tercer mandamiento. Pero, si el sentido religioso de las fiestas no ha sobrevivido y el verbo santificar nos resulta extranjero en la boca, ¿cómo se entiende el mandamiento a cumplir? Con la redundancia: Festejarás las Fiestas. Festejar como imperativo encierra una paradoja que, como tal, envuelve semillas de conflicto al vaciarse el festejo como una disposición de espíritu. La orden se nos vuelve abstracta. Concretamente, ¿qué tenemos que hacer? Juntarnos a comer. Comerás en las fiestas. Ay, qué difícil puede ser esperar el primero de año cuando comer -esa orden de la naturaleza- se nos ha vuelto un trastorno cotidiano.

La idea tratada aquí se convierte escénicamente en una dificultad para comer, con varias intensidades: desde la desidia de la tía hasta la anorexia militante de Otilia -la hermana menor-, pasando por la timidez del “novio” y los conflictos de la hermana mayor con su cuerpo. Siendo una obra basada en un mandamiento, es imposible no leer aquellos desarrollos que Freud leyera en la mitología católica a propósito de la Última Cena (ver Tótem y tabú). Como nosotros no somos psicólogos (más bien, somos carne de diván), nos abstenemos de hacer semejantes interpretaciones y las dejamos a la curiosa imaginación de nuestros lectores.

Andrea me comentaba de las dificultades que habían tenido para adaptar la obra a la nueva sala, ya que venían del Rojas y pasaron al espacio chico del Kafka. A propósito de eso, me decía que la función que vi (el estreno en la nueva sala) había perdido algo de comedia. Debe tener razón, pero a mí me gustó mucho de todos modos. El trasfondo siniestro que se insinúa constantemente en las relaciones familiares resultaba tanto más opresor cuando los chistes eran apenas enfáticos y contribuían a acentuar hasta lo monstruoso la incomodidad de ese encuentro, en el que festejar el año nuevo significaba, apenas, plantarse frente a un plato de comida como quién se sienta a morfarse a Cristo.

Para terminar, una anécdota jocosa. El viernes llego al teatro media hora antes, raro en mí. Por tanto, entro ni bien dan sala y elijo una ubicación perfecta: segunda fila al medio. Perfecta para ver, pero algo incómoda hasta que se termina de acomodar el público. Como soy un caballero -muy a pesar de mi condición de crítico simiesco- me corro para dejar pasar a unas damas que intentaban sentarse a mi lado (¡dejen sus suspicacias galantes a un lado, por favor!). Entonces… entonces -horresco referens!- la pata de mi silla se mete en un pequeño agujerito y se hunde inexorablemente. Y el envarado crítico se va al carajo con asiento y todo, desparramando cuanta silla le queda a mano. Igual, no hubo que lamentar consecuencias. Recordemos que la última vez que me caí, en mayo, me fracturé 3 vértebras. El viernes, apenas me magullé el orgullo. Ya sanará.

Los actores, un poco asustados por el resultado de la función, le comentaron a Andrea: “Encima se cayó una persona”. Ella, en tren de joda, les dijo: “Era un crítico… ¡y encorsetado! Pero tiene buena onda…” En honor a esa buena onda (y a la excelente obra que el grupo está mostrando) hago esta reseña.

Santificarás las fiestas se puede ver los viernes a las 21:45hs en elkafka (Lambaré 866). Si mencionan esta nota al comprar la entrada, se les cagan de risa en la cara. Favor de no hacerlo, la casa no acepta reclamos. ¿A qué iba? Ah, sí. ¡VAYAN A VERLA!

P.D.: No pongo monitos porque ya estoy cansado de parecerme a Clarín.

Menemismo: Investigación exclusiva

2008-10-18T22:40:00.000-07:00

Después de una árdua tarea de campo y de un exhaustivo cotejado de fuentes, 150monos logró encontrar el sitio preciso donde fue a parar la clase media argentina (la celebrada clase media argentina) durante y luego del menemato.

Aquí presentamos la imagen en exclusiva....

Sí, señores: Pampa y la vía.

Cuatro en uno

2008-10-11T17:44:00.000-07:00

Los próximos dos viernes, nuestros curiosos y movedizos lectores pueden pasarse por Teodoro García 3234 y ver los trabajos que está presentando el taller de dramaturgia para actores Andrea Garrote (grossa si las hay).

Como esto no es una reseña sino una invitación, no voy a ponerme a disertar ni a amontonar monitos. Sólo diré que me divertí muchísimo, que me invitaron un vino y que la sala estaba muy linda (y muy repleta).

Aconsejo, para los que tengan espíritu aventurero, tomarse el 168, que se interna por parajes inhóspitos donde pueden verse (de día, más vale) ovejas pastando en plena Capital.

En la imagen están los datos de las obras. ¡A ver teatro, caramba!

Organza de Naón, Niño, Sambucetti y Vivacqua, dirigida por Violeta Naón

2008-09-20T09:43:00.000-07:00

El sábado pasado fui a la sala Apacheta (propiedad del director Guillermo Cacace) a ver la obra que ahora reseño. La sala, que está en Pasco 623, es un lugar agradable, bien puesto y, esto es importante, queda cerca de casa.

Como sabrán, la organza es una tela. Una tela más bien femenina. De acuerdo. La obra trata del encuentro de dos mujeres en una estación de trenes en la que se produjo un suicidio: alguien se tiró a las vías. Sobre la situación del encuentro casual, la muerte accidentalmente expectada y las historias de esas mujeres se desarrolla la acción dramática. Podría pensarse entonces que el título funciona en dos direcciones simultáneas: por un lado, la idea de tela implica necesariamente la de trama. Por otro, el carácter eminentemente femenino del tejido en cuestión. No nos parece inverosímil pensar que ambos significados son válidos, en un texto que suele coquetear con la estética de los simbolistas, aunque por momentos se acerque al absurdo.

La idea de la inmovilidad de los personajes en un lugar de tránsito como una estación de trenes ha sido ya trabajada fértilmente por varios dramaturgos y directores. Recordemos, como ejemplos, dos casos: Rápido nocturno, aire de foxtrot de Mauricio Kartun y Destino de dos cosas o de tres de Rafael Spregelburd. Aquí las cosas funcionan más bien como en la segunda, o sea, el tren que no llega o que pasa sin detenerse, genera una interrupción de la cotidianidad que habilita la confesión. Como apunta Alain Badiou (Imágenes y palabras, 2005) a propósito del film Magnolia de P. T. Anderson, aquí la confesión no tiene el carácter redentor que instauró el melodrama norteamericano de mediados del siglo XX, sino que revela su inutilidad última. Se reduce a una parrafada incontinente, a una descarga libidinal que diluye la carga erótica de las relaciones entre los personajes y que deriva la tensión narrativa hacia otros lugares, enriqueciendo el devenir del relato dramático.

La obra tiene momentos de extrema intensidad. El suicidio inicial, lacónico e inesperado, que recuerda a una escena de la película japonesa El grito (me disculparán por las reiteradas citas cinematográficas); la danza silenciosa que ensayan las mujeres y que acaba en un beso; por dar dos ejemplos. En general, la intensidad y la hondura dramática crecen cuando no hay texto, cuando los cuerpos ocupan todo nuestro espacio perceptivo. Aunque debemos anotar una excepción: el monólogo final. Pero nuevamente, lo que la actriz dice pasa a un segundo plano y el interés se centra sobre la opaca figura que recorta un contra blanco y su correlato horizontal, la sombra. Un ejemplo de sencillez y efectividad.

Las cuestiones técnicas-tecnológicas -que me interesan sobremanera porque creo plenamente en la importancia de los artistas “periféricos” (iluminador, vestuarista, escenógrafo, etc) y de los técnicos- son irregulares. La escenografía es simple y funcional a la puesta: apenas un trapecio dibujado en el piso, una pared blanca de fondo (que en realidad es una pantalla), un banco alargado, un reloj de estación. El vestuario, en cambio, peca de barroquismo: si para dar la idea de estación de tren basta un reloj, ¿por qué habría que sobrecargar el vestuario? La iluminación es correcta, con algunos momentos muy interesantes como el anotado más arriba. Además, hay filmación a tiempo real y su respectiva proyección en la pared del fondo. La utilización de este recurso es dispar. Por momentos, genera un doble punto de vista interesante o puestas en abismo por el sencillo procedimiento de filmar lo proyectado, que por ser sencillo no deja de ser útil ya que produce composiciones visuales perturbadoras que expanden hacia el infinito la profundidad del espacio y reduplican los cuerpos de las actrices. En otros momentos, la proyección redunda o es apenas una mancha molesta sobre la pollera de uno de los personajes.

Las actuaciones tienen altibajos a lo largo de la representación. Como ya se anotó, hay momentos álgidos (usando una palabra antediluviana), pero también los hay chirles, en los que la tensión dramática se diluye y el relato se estanca. Parece haber una imposibilidad de las actrices para apropiarse y colonizar ciertos fragmentos del texto. Aunque esto puede deberse a la incómoda circunstancia de que la función que vimos fue el estreno. Y ya sabemos que suelen ser un mar de complicaciones y nervios.

El punto más flojo de la obra es, a mi entender, el texto. De hecho, no parece un texto dramático sino una serie de monólogos y diálogos tomados de una novela, a medio camino entre el enrarecimiento total (como en Madre e hijo de César Aira) y el coloquialismos rampante (como en cierto Daulte). Ese nadar entre dos aguas, complica el decir de las actrices y da la sensación de que Niño (el dramaturgo) peca de “literatura”.

Bueno, voy terminando. Llegados a este punto no quiero que les quede el sabor amargo de los últimos párrafos. El ordenamiento, en este caso, responde a causas que no tienen porqué pasar a dominio público y sugiero que relean los primeros párrafos antes de formar un juicio equivocado. No voy a poner monitos esta vez porque no me decido. Más vale júzguenlo ustedes. Y tengan presente que la mejor manera de opinar sobre una obra de teatro es viéndola. Pueden, entonces, formarse una opinión más sólida que la que conseguirán con esta reseña los sábados a las 20 en Pasco 623.

Antología Última poesía argentina

2008-09-17T21:09:00.000-07:00

Hoy por la tarde recibí una gratísima sorpresa. Isabel (también conocida por el apócrifo nombre de Beatriz) de Ediciones En Danza me regaló la reciente antología Última poesía argentina. Contento con mi libro nuevo, lo leí y ahora me dispongo a escribir un poco al respecto.

Para los que no la junan, En Danza es una editorial que se caracteriza por editar libros lindos. Son de esos que se reconocen a primera vista: estilo editorial, que le dicen. El gramaje de las tapas está en el justo medio entre la chapa de Falcon que usa Alfaguara (en el bondi uno siempre corre el riesgo de degollar al compañero de asiento) y el papel higiénico de algunos de los libros de Corregidor, por ejemplo. Además, están cosidos. Como reza el impresentable “hold the line” de la impresentable editorial Dunken: “haga un libro, no un block”. Por si esos valores, digamos, materiales no bastaran, editan buenos textos. De lo último, valga como ejemplo Herejía bermeja, del injustamente olvidado Bustriazo Ortiz.

El volumen del que hablamos reúne una buena parte de los poetas argentinos nacidos luego del ’77. Como toda antología es incompleta pero podemos confiar en la pericia de sus compiladores (los poetas Gabriela Franco, Javier Cófreces y Eduardo Mileo) y estarnos tranquilos de que lo mejorcito está reunido en las 240 páginas que nos ocupan. Además, viene a sumarse a una serie de buenas antologías que han aparecido en estos últimos tiempos: la de Andi Nachon en Del Dock (otros que hacen lindos libros) y la de Santiago Sylvester para el Fondo Nacional de las Artes.

Paso a copiar la lista de los poetas incluidos: Florencia Abadi, Mariano Blatt, Guillermo Bravo, Nicolás Cambón, Martín Carlomagno, Soledad Castresana, Javier Foguet, Natalia Fortuny, Griselda García, Carlos Godoy, Sebastián González, Adriana Kogan, Rosa Lesca, Juan Esteban Linares, Laura Lobov, Silvia Mellado, Gabriela Milone, Guadalupe Muro, María Cecilia Perna, Paula Peyseré, Martín Pucheta, Gonzalo Quevedo, Noelia Rivero, Martín Rodríguez, Josefina Saffioti, Victoria Schcolnik, Eugenia Segura, Dante Sepúlveda, Mariana Suozzo, Alejandro Villamañe, Germán Weissi y Guadalupe Wernicke. Como verán, hay nombres bastante conocidos (como Laura Lobov, Adriana Kogan o Paula Peyseré), gente a la que descubrí ahora (como Rosa Lesca), y una colaboradora de 150monos: Natalia Fortuny.

Eso es todo. No fue mi intención hacer una reseña decente, ni una nota crítica, ni un análisis sesudo. Todos exceden mis posibilidades del día de la fecha. Me conformo con este comentario descerebrado pero entusiasta.

Ah, el libro se consigue en todas estas librerías.

La memoria de Shakespeare, de Sergio Sabater

2008-09-11T20:29:00.000-07:00

El argumento del cuento de Borges sobre el que está construido el espectáculo es, previsiblemente, borgeano. Es decir, siendo un cuento tardío, recoge todos los vicios temáticos y formales del escritor. La cosa es así: un erudito especialista en Shakespeare (Hermann Soergel) recibe de otro erudito (Daniel Thorpe) la memoria del poeta y dramaturgo. Lo que en un primer momento le parece a Soergel un regalo inconmensurable, termina convirtiéndose en una carga inútil, porque el misterio del genio no reside en sus vivencias o sus lecturas, sino en el modo que son “procesadas” y trasformadas en obra de arte. Soergel comienza a perder el alemán y a recuperar las erres ásperas y las vocales abiertas del inglés del siglo XVII. Finalmente, agobiado por la memoria del otro, decide darla a un desconocido por vía telefónica y se libra para siempre de ella.

Muy bonito, ahora ¿cómo se adapta eso a teatro? Bueno, pregúntenle a Sabater que sabe hacerlo y con altísima eficacia.

En la puesta, el texto de Borges persiste casi completo y convive con intercalados del director que es responsable también de la dramaturgia. Está (claro) Soergel, pero también Thorpe y el difuso soldado que le pasó la memoria a este último: Adam Clay. El narrador, que en el cuento es el propio Soergel, se fragmenta y se pluraliza: 14 actrices toman ese lugar, desplazan la primera persona hacia una irónica tercera y diluyen la concisión borgeana en un juego de repeticiones que podríamos llamar corales. Toda sentencia hace eco en ese narrador escindido, que reespacializa el discurso inmóvil de Soergel.

Los que hayan visto otras puestas del director encontrarán algunas de las constantes con las que trabaja: la utilización de instrumentos musicales en escena, la presencia de un personaje metonímico que carga oblicuamente con el devenir de la obra, la utilización de textos poderosos fuera de contexto como proclamas, la multiplicidad de idiomas, cierta impronta kantoriana.

Los aspectos técnicos son cuidados y exigentes como acostumbra Sabater en sus puestas. La música es muy linda y uno, inevitablemente, sale tarareando la melodía principal. Las luces son exactas con momentos de cierto vértigo que requieren gran precisión del operador (la función que vimos no tuvo problemas al respecto). La escenografía, por su parte, es sobria y funcional a la mecánica de la puesta. De las actuaciones, destacaremos dos siendo injustos: el melancólico pero casi simpático Daniel Thorpe que compone Marcelo Velázquez (a quién nos vimos en la obligación de elogiar antes por su puesta de Destino de dos cosas o de tres) y la Desdémona de Cecilia De Feo, en la ronda de monólogos shakespirianos (usando la grafía que quería Borges) cuando la relectura de las obras de Shakespeare por parte de Soergel.

Pero si hay algo sorprendente en este espectáculo es la dinámica escénica. Los 17 actores se mueven según patrones geométricos que rozan por momentos el vértigo de lo maquinal y por momentos lo escultural semi-estático. Las actrices a la vez que narradoras, funcionan como asistentes de escena en una suerte de danza alucinada que hace progresar al mismo tiempo el relato textual y un correlato escénico difuso y por momentos perturbador, bajo la dirección de una especie de maestra de ceremonias (el personaje metonímico del que hablaba más arriba) cuyas interpelaciones no sólo a los actores, sino también a los técnicos, y sus guiños a público reafirman el carácter convivial del espectáculo: No hay modo de olvidarse que estamos en el teatro. Bienvenida sea esa memoria.

Vayan, entonces, los monitos. Y que tengan suerte. Ya sabemos: And shake the yoke of inauspicious stars:

Destino de dos cosas o de tres de Rafael Spregelburd, dirigida por Marcelo Velázquez

2008-07-28T00:48:00.000-07:00

El viernes fui a ver la puesta de Destino de dos cosas o de tres con dirección de Marcelo Velázquez que está haciendo funciones en Delborde (Chile 630). Y acá van mis impresiones.

Destino… es la primera obra de Spregelburd. La escribió en 1990, a sus tiernos 19. Y espanta un poco que ese texto haya salido de un pibe de 19 años. Yo creo que todavía no había dejado el andador. Pero volviendo al tema, ese es uno de los primeros puntos de interés: comparar la poética spregelburdiana en su primer texto escenificado (la puesta original, dirigida por Roberto Villanueva, contó con las actuaciones de Emilia Mazer, Emilio Bardi y Martín Adjemián) y en alguno de sus últimos (Acassuso, Lúcido, La Paranoia). Resulta sorprendente comprobar que, si bien su tratamiento poético cambió enormemente, los temas siguen siendo más o menos los mismos: el lenguaje, los lenguajes, la matemática, el cine. Esa coherencia también espanta.

La puesta de Velázquez se luce por su invisibilidad. Uno tranquilamente podría deducirla del texto. O mejor, podría pensar que ESA es la puesta que el texto indica. Aunque no sea rigurosamente exacto, es la sensación que da. Esa invisibilidad de la mano del director es afortunada en este caso: un texto deliberadamente extrañado, donde todos los lugares comunes del lenguaje son vulnerados, es difícil que admita una escenificación también extrañada. El contraste entre ese trabajo textual desconcertante y la naturalización que la propuesta escénica realiza es, sin dudas, más rico.

La escenografía es bastante linda y sobria: aprovecha una escalera que tiene la sala, hay un banco de plaza como los que suelen verse en las estaciones de tren, el andén está sugerido por un pedacito de alero y una farola de dos brazos. El vestuario, que me generaba dudas por los colores cuando vi las fotos, se mejora bastante gracias a la excelente iluminación de Pehuén Stordeur que mitiga los anaranjados y amarillos de la ropa con luces cálidas. Un punto en contra, el morral que ÉL (uno de los personajes) carga inexplicablemente.

Las actuaciones son sólidas, sutiles y bastante parejas, aunque Jazmín Schmidt se destaca. Quizá por momentos se ponen algo estridentes, pero eso tiene que ver con una cuestión personal mía con los volúmenes, no estoy siendo imparcial.

En suma, las pocas deficiencias del espectáculo no invalidan sus muchos aciertos. Vale la pena verlo.

Van los monitos para Destino…:

Los estantes vacíos: una lectura, una experiencia

2008-07-26T16:22:00.000-07:00

Esta es la historia de una lectura y de una experiencia. De una vivencia de lectura. Entiéndase: no es una reseña. Sólo apuntes de unas cuantas horas vividas con un libro. Como reza el título, se trató en aquel enero de este año de Los estantes vacíos, de Ignacio Molina.

Quizás deba aclarar que conocí a Ignacio en la cresta de la ola de los blogs, hace unos cuantos años y que ya en aquella oportunidad leí unos cuantos de sus relatos. Quizás también deba añadir que me gustaron. Y mucho. Percibí, en aquel momento, agradables resabios de Carver, de Sallinger: historias –aparentemente – simples, bien contadas, con las dosis justas de información, sin derroche de recursos. Por eso cuando comencé a leer Los estantes vacíos sabía que iba a disfrutar del libro. Lo que no sabía era que lo iba a vivir. Me explico.

Yo había iniciado la lectura con dos ideas: la primera era mi experiencia anterior, ya mencionada; la segunda, una crítica mala sobre el libro, en los dos sentidos posibles. Se trata de la “Ceca” de Ariel Bustos, publicada en el número 4 de la revista Los asesinos tímidos, en octubre de 2006. Con las manos llenas de teorías narrativas, Bustos acusa a Molina de minimalista y le reprocha que en sus cuentos no pase nada, que los personajes no se transformen, que en los finales nada se resuelva, que el lector no se conmueva… En resumen: que ningún cuento se parezca a Caperucita roja (ese sí que no defrauda, eh).

Así empecé a leer, buscando minimalismo en cada página, aunque de ningún modo considerara esa tendencia como negativa. Y lo encontré, claro. Cada uno de los quince cuentos son relatos depurados, breves, efectivos, que dejan de lado toda descripción redundante y van al centro de la acción. El lenguaje ascético genera el efecto de borramiento del narrador, por lo que el lector tiene la sensación de ser testigo privilegiado de un fragmento de las vidas de esos personajes que transitan las páginas con una presencia leve, inquietante la mayoría de las veces, misteriosa, pero absolutamente banal. Misteriosa porque es apenas una rendija la que nos abre el narrador. Banal porque es cotidiana, simple.

Pero lo más interesante surgió luego de unas horas de lectura. Y aquí viene la experiencia: comencé a pensar/actuar como el narrador/los personajes. Pensaba lo que quería hacer y lo hacía. Ahora voy a hacer pis y después voy a tomar algo fresco. Ahora entro al baño y al prender la luz noto que no hay, se cortó. Mientras cierro la puerta, el cuartito de baño va quedando totalmente a oscuras. De pronto descubrí que el tono del narrador me había penetrado, se había apoderado de mi modo de pensar. Y entonces ocurrió lo más interesante de todo: comencé a vivir un presente absoluto. “Pensar y hacer eran una sola acción”, cito de memoria. Me instalé en el momento y no pensaba en otra cosa, no proyectaba, no fantaseaba, no planeaba.

Esa experiencia de lectura metida en mi experiencia vital me llevó a pensar en la construcción de los textos, a delinear una muy breve (y posiblemente absurda o equivocada) teoría sobre los cuentos. Pruebo: esa construcción minimalista, aparentemente vacía, llana, simple, esos relatos de la nada, de momentos, son, en realidad, construcciones constantes de un presente. Son sumas de presentes. Pero no en el sentido realista, no con un afán verista, sino como pantallazos de vidas ajenas, momentos, experiencias, sensaciones.

Hay una palabra (no sé si existe) que condensa esta idea: presentificación. La búsqueda de hacer presente la experiencia pasada, vivida por los personajes. Porque por más que los cuentos no están narrados en presente, se construye una sensación constante de un aquí y ahora. Eso se produce, entre otras cosas, porque los personajes no evalúan sus experiencias, apenas buscan relaciones entre las cosas que ven y pasan a otra cosa. Esta escritura deja al lector en el lugar de un voyeur que sólo puede observar lo que ocurre, pero no interpretarlo. La falta de razones, de explicaciones, de motivaciones nos deja en la mismísima nada, la incertidumbre total.

Como lectora, no me asustan los relatos en los que nada pase, en los que no haya motivaciones, en los que nada cierre. Me resisto a pedirle a los libros lo que no tienen y me contento con saber que, si algo me gusta, hace que valga la pena leerlo, experimentarlo y, si fuera necesario (y aunque nadie pero nadie me lo pida), defenderlo.

Carolina

Dunkeneadas - II

2008-07-25T00:14:00.000-07:00

Para mi amigo Diego Vecino, que fue el único que reivindicó esta sección.

Sembrando semblanzas. Lorenzo Quispe.

El contenido de Sembrando semblanzas ha sido escrito por el autor, inspirándose en las distintas etapas de la vida misma, ofrendándolo así para el deleite del lector.

Lorenzo Quispe nació en la provincia de Salta el 7 de julio de 1962. en la localidad del Ingenio San Martín del tabacal Departamento de Orán, zona con caña de azúcar. Arribó a Ushuaia a mediados del año 1984, como tantos provincianos en busca de nuevos sueños. Ingresó en la Policía a finales del año 1985. Habiendo palpado los avatares de la vida a través de su carrera, escribe su primera obra literaria Sembrando Semblanzas, invitándolos a que se sumerjan en ella. Actualmente cumple servicios en la ciudad de Ushuaia, capital de Tierra del Fuego, ostentando la jerarquía de Sargento.

Me tomo 5 minutos, me tomo un mono

2008-07-22T16:04:00.000-07:00

La monización no será transmitida - 8va FLIA

2008-07-21T23:13:00.000-07:00

Los monos fueron a la 8va FLIA. Porque somos una publicación independiente y autogestionada, y entonces nos pareció bien. Además, porque en las FLIA hay buena onda.

Pero, aunque llegamos entre los primeros, como se ve en esta foto...

... los multimedios alternativos nos negaron la difusión. Chequeen los links que hay acá y, si nos encuentran, les regalamos la colección completa de la revista en papel (Para la promo, quedan exceptuadas las fotos que pegamos a continuación)

Abajo sigue un compendio de fotos donde 150monos se cuela inopinadamente, reafirmando su marginalidad aun dentro de una feria independiente y haciendo bandera de ella. Y, aunque nuestro stand no salió nunca, al menos pudimos ponerle la espalda al asunto… literalmente.

Así que tomamos cartas en el asunto y sacamos nuestras propias fotos. Movidas, mal encuadradas, con el color mal balanceado, la luz como el culo, ¡pero nuestras! Y ahora las difundimos. Un par nomás. Tampoco hay que exagerar...

¡Contra todo y contra todos, los monos vencerán! Y si no nos creen, preguntenle a Charlton Heston...

Tercera pista: No somos los únicos

2008-07-15T13:13:00.000-07:00

cada día se torna más evidente para estos tres monos que no están solos.
no puede ser mera casualidad esto, ni esto, ni mucho menos esto.
hay otros, lo sabemos. otros que siguen la senda de la animalidad. la palabra animal. el animal que llevamos dentro.

nos acercamos al centro de la idea.

y no somos los únicos.

los monos en la flia

2008-07-11T06:17:00.000-07:00

Segunda pista: Congo

2008-07-09T18:20:00.000-07:00

El 31 de diciembre de 1957, el Instituto de Artes Contemporáneas de Londres realizó una exposición de pintura abstracta. Los nombres de los autores de las obras no se dijeron hasta que los críticos alabaron la muestra. Para sorpresa de muchos y humillación de varios, las autoridades del Instituto revelaron que las pinturas habían sido realizadas por un solo sujeto: un chimpancé joven llamado Congo, que formaba parte de un estudio del zoólogo inglés Desmond Morris.

Cuenta la leyenda que Picasso visitó la muestra, que le gustaron los cuadros y hasta se compró uno. Si esto suena a cuento, más increíble parece la anécdota que sigue: en ocasión de la muestra, un periodista le preguntó qué opinaba sobre las obras, si no le parecía que "eso", en realidad, no era arte. Como toda respuesta, el buen hombre recibió un mordisco del genio español. Evitaremos las metáforas fáciles en este momento.

Un último detalle: las pinturas de Congo se subastaron el año pasado en Londres, junto con obras de Warhol, Renoir y Botero.

Por haber engañado a una manada de críticos ingleses con sus trazos de brocha gorda, incluimos a Congo en la galería de monos famosos de nuestra revista.

¡Vuelve Nadar perrito!

2008-07-02T23:59:00.000-07:00

Vuelve a hacer función (notad el singular) la excelente puesta que Andrea Garrote hizo de esta obra. Podrá verse, por UNICA VEZ y GRATIS el próximo sábado 5 de julio a las 15:30 hs, en el Goethe Institut (Corrientes 319). Vayan temprano, no sea que se queden sin entradas.

Más abajo dejo el artículo que escribí, a propósito de esta puesta, en el número inicial de la revista. Por si hay algún desmemoriado o algún advenedizo.

Ah, si preguntan mi opinión, contesto diciendo que vi todas las funciones que hizo. Todas.

Así que acá van otros cinco monitos:

LA OBRA DE TEATRO EN LA ÉPOCA DE SU REPRODUCTIBILIDAD TÉCNICA
Transformación tecnológica del espacio en la puesta de Andrea Garrote de Nadar perrito (Reto Finger)

Andrea Garrote dirigió, primero como semimontado en 2006 y luego como puesta definitiva en 2007, Nadar Perrito (Schwiemmen wie Hunde)(1), de Reto Finger, en el Ciclo Nueva Dramaturgia del Goethe Institut(2).

La obra comienza con la ruptura de la pareja de Roberto y Carlota. Él, incrédulo, decide irse a vivir al sótano de la casa (compartiendo la cocina) hasta que cambien los vientos. En realidad, ésta es una decisión política, una forma de resistencia. Carlota sigue con su vida, incluso la amorosa, pero pronto la presencia de Roberto se convierte en un insalvable obstáculo y ella lo insta a dejar la casa de una vez por todas. Ante este ultimátum, él se encierra definitivamente en el sótano con provisiones para un año. En medio de la ruptura, giran dos parejas de Carlota (Juan y Víctor) y una amiga de los ex novios: Ingrid. Este es, muy sintéticamente, el argumento de la obra.

En la —excelente— puesta de Garrote, el fondo de la escena es una enorme pantalla sobre la que una cámara proyecta en tiempo real la imagen del sótano en el que está Roberto. Sobre esta operación, que no está prevista en el texto original, es que me interesa detener el análisis.

La filmación reproduce esencialmente el sótano y las placas con los títulos y los epígrafes que servirán de separadores entre las tres partes de la obra: más adelante hablaremos de ellas. La proyección de un espacio escénico sobre la superficie completa del fondo determina la recuperación de la cuarta pared como espacio de diferenciación diegética(3), pero aquí marcando un segundo plano, interior a la instancia escénica principal, es decir, una instancia metadiegética y no extradiegética. A diferencia de la perdida cuarta pared, que separa los niveles de representación y realidad, aquella produce una mise en abîme que repliega el espacio sobre sí mismo, generando un ámbito de representación secundario o interior que toma del cine una de sus características diferenciales: la mediatización. Contra la presencia inevitable y completa de los cuerpos sobre el escenario, Roberto aparece parcializado por la mirada de la cámara y su temporalidad se difumina, puesto que no podemos asegurar que esté presente más allá de su imagen proyectada. Así y todo, la reproducción de aquella produce una interpenetración de los espacios: el sótano, separado en la propuesta original, aparece magnificado en la escenificación de Garrote. Esto acentúa la gravitación de Roberto en la escena y permite el diálogo mediatizado de dos espacios que no se tocarían de otro modo.

La decisión de puesta es notablemente útil e inteligente. Además de lo anotado, permite una amplia gama de juegos metalépticos:(4) quebrando la separación entre el nivel metadiegético y el intradiegético cuando Roberto le da una negativa a cámara a Carlota, en una operación que ya ha sido profusamente explorada por el cine(5); poniendo en tensión dos niveles cuando se derriba una puerta que deja al sótano a la vista directa del público (ver foto más abajo), mientras se lo sigue viendo en la pantalla, lo que duplica la condición diegética de ese espacio y, en el mismo movimiento, derrumba la posibilidad momentánea de defraudación cinematográfica al revelar que lo proyectado es, efectivamente, una filmación en tiempo real (6). Las placas de presentación de las partes (7) producen otro interesante juego metaléptico, puesto que no son generadas directamente en pantalla, sino que se filman unos papeles que Roberto pone frente a la cámara, volviendo a mezclar la instancia extradiegética (los paratextos de la obra) con la meta e intradiegética (es un personaje-actor quien las sostiene o las deja caer).

La cámara y la proyección permiten, además, que el punto de vista de la obra se desplace hacia la subjetividad omnipresente de Roberto. Su estar, mediatizado pero continuo a lo largo de la representación, genera el desplazamiento y el espectador percibe la acción escénica de los demás personajes en relación con Roberto. Como en la Alegoría de la caverna de Platón(8), la noción de verdad del espectador es un parecer apoyado en la subjetividad acotada de Roberto, que desde el sótano percibe, al igual que los encadenados en la caverna, apenas las sombras de la realidad, magnificadas luego por la pantalla en el fondo de la escena.

Finalmente, los espacios anotados por Finger en las didascalias de la obra se resuelven en un par dialéctico: La cocina, la habitación, la casa de Ingrid y la estación del subterráneo de las que habla el texto se diluyen en un único espacio apenas diferenciado por la luz, que se opone al sótano. Así, la puesta erige una dicotomía espacio inmediato-espacio mediatizado, que funda dos niveles diegéticos y permite la metalepsis por procedimientos materiales y no-materiales. En el segundo caso nos referimos, por ejemplo, a la respuesta a cámara de Roberto (citada más arriba)que trasgrede la característica fundante del hecho proyectual, es decir, la unidireccionalidad del contacto entre los espacios. Del primer caso, el ejemplo más visible es la caída de la pared del sótano, que pone al público de cara a la corporeidad de Roberto al tiempo que duplica la espacialidad del sótano en, nuevamente, un espacio mediatizado y uno inmediato, tal como se dijo.

Para el estreno del semimontado en 2006, se contó con la presencia del autor, con quien se debatió luego de la función. Finger estaba sorprendido por un motivo más bien extraño o banal: que el sótano fuese, efectivamente, un sótano. De las posibilidades de este realismo contrastado con la proyección, no dijo palabra.

Notas:

1 Como referencia se puede conseguir una versión del texto, vertido al español por Claudia S. Sierich en www.festivaldramaturgiaeuropea.cl/anteriores/Festival_2006/Textos/Nadar_como_perro.pdf
2 La ficha de ambos espectáculos es la siguiente:
Actuaciones: Rafael Spregelburd (Roberto), Pilar Gamboa (Carlota),
Andrea Garrote (Ingrid), Pablo Ruiz (Víctor) y Mariano Saavedra (Juan)
Dirección de video: Daniela Goggi
Cámara: Sebastián Toro
Música original: Federico Marquestó
Diseño de luces: Pedro Piana
Dirección: Andrea Garrote
3 Ver Genette, Gerard. Narrative Discourse: An essay in Method, Cornell University Press, Ithaca, 1979. También Prince (Prince, Gerald. A Dictionary of Narratology, University of Nebraska Press, 2003), que define la diégesis como: "the (fictional) world in which the situations and events narrated occur". A partir de aquí, se desprenden tres niveles diegéticos: el intradiegético, identificable con la diégesis; el extradiegético, exterior a ella y de la que no forma parte (el mundo "real" en contraste con el ficcional intradiegético); y el metadiegético, como nivel interior al intradiegético (relato enmarcado o teatro-en-el-teatro, por ejemplo).

4 Según la retórica clásica (Beristáin, Helena. Diccionario de retórica y poética, Porrúa, México DF, 1995. Pág. 319) se define a la metalepsis como "una variedad de la metonimia que expresa una sustitución del efecto por la causa […] o a la inversa". Genette (Metalepsis: De la figura a la ficción, Fondo de Cultura Económica, Buenos Aires, 2004. Pág, 15) amplia este concepto: para él, consiste en "una manipulación —al menos figural, pero en ocasiones ficcional […]— de esa peculiar relación causal que une […] al autor con su obra, o de modo más general al productor de una representación con la propia representación".
5 Genette, Gerard. Op. Cit. Pág. 70 y ss. Genette indica varios ejemplos, entre ellos la secuencia de La Rosa Púrpura de El Cairo (1985), en la que un personaje sale de la pantalla de un cine, toma a una espectadora y se la lleva consigo de vuelta a la película de la que salió.
6 El procedimiento inverso, es decir, la recreación de una simultaneidad a partir de materiales pregrabados se puede ver en La Paranoia de Rafael Spregelburd (haciendo actualmente funciones en el teatro 25 de Mayo), donde un grupo de personajes en escena indican a otro grupo (proyectado) cómo actuar una secuencia. El hecho de que los mismos actores protagonicen ambas partes pone en evidencia el mecanismo.
7 Placa 1: "Primera parte. ‘Nada amarga tanto a una persona seria como la resistencia pasiva’ (Herman Melville)". Placa 2: "Segunda parte. Nadar perrito (o luchar en forma poco elegante para no ahogarse). Medio año más tarde". Placa 3: "Tercera parte: La resignación es la hermana del alivio. Un año más tarde."

8 Platón. "La república", Libro VII en Obras completas, Omeba, Buenos Aires, 1967. Tomo III, pág. 311 y ss.

Primera pista: feliz cumpleaños, teoría

2008-07-01T18:10:00.000-07:00

El 1º de julio de 1858, dos hombres que no eran ni Darwin ni Wallace presentaron ante la Sociedad Linneana de Londres la teoría de la evolución de las especies.
En ese momento, el mundo de las ideas dio un paso adelante en el lento pero inexorable reconocimiento de una verdad simple: ¡somos todos monos!

Los otros 150 años nos golpean en la nuca.

Villa Celina, de Juan Diego Incardona

2008-07-01T18:03:00.000-07:00

Los monos se complacen en anunciar la salida del nuevo libro de Juan Diego Incardona, director de la revista virtual de literatura, arte y pensamiento el interpretador, talentosísimo escritor y, por si no se nota, muy amigo de la casa.

Albricias, Juan Diego!!

Ciudad como botín de René Pollesch, dirigida por Luciano Cáceres

2008-06-29T00:28:00.000-07:00

La obra parte del desplazamiento de una lectura neomarxista vinculada al funcionamiento de las corporaciones económicas y aplicada al cuerpo, pensado éste como sujeto de explotación y comercio, como mercancía. The economy, stupid!, como dijera Carville en los tempranos 90.

Si bien esta temática, que a priori parece demasiado europea para la escena porteña, podría desalentar a un espectador teatral acostumbrado a buscar más sentido que significado, Cáceres se encarga de que las cosas vuelvan a su lugar. La puesta frenética, burlona, bizarra y que despliega a la vez una enorme complejidad y un amplio lugar para la improvisación, disuelve el enchalecamiento del tema, transformándolo en un objeto luminoso como el que caga el narrador de El niño proletario. El texto se vuelve un fondo zumbón, una tele prendida pero que nadie mira, a fuerza de repetirse, de decirse a toda velocidad, en unísonos, en gritos, en susurros inaudibles. En primerísimo plano están, entonces, los cuerpos de los actores, en sus caracteres mercantil y artístico apenas distinguidos por una jerarquía social de la que no estamos del todo seguros.

Cáceres trabaja sobre una enorme cantidad de procedimientos a la vez. Empieza con una trivia, hay filmación en tiempo real, musical, ballet, una lucha de karate, diálogos estáticos y picados al estilo de la puesta de Crave que se vio hace un tiempo en Buenos Aires. Pero fuera del escenario, las cosas tampoco se ponen calmas. Para empezar, una moza sirve bebidas durante la representación; los actores vagan entre el público, lo tocan, le dan objetos; y sobre el final, las encargadas de servir vodka (y pedir propinas) son una actriz y un actor travestido. No vi que nadie les diera plata, pero si les dieran, ¿qué? ¿Habrá funciones donde el público se olvida de que son parte de una ficción? ¿Habrá funciones en las que el dinero (poderoso ficcionalizador) prolonga las garras de la representación sobre el pequeño saltamontes que le pone una moneda en la mano de la moza, como si fuese la acomodadora? No sé, yo pensé en su momento en las posibilidades de hacerlo y después me di cuenta de que todas mis monedas las había cambiado por el programa. ¡Maldición!

Ciudad como botín forma parte de una trilogía. El mismo director puso, en un ciclo del Goethe, la primera parte: Sex según Mae West. Hay una fuerte intertextualidad con ésta, aunque no es necesario haberla visto para disfrutar de Ciudad… Aprovechándose del video, Cáceres conecta la primera parte con la segunda, trayendo aquella a una inmediatez temporal perturbadora y si bien la entrada a la sala de los 3 personajes “principales” no deja de ser predecible, tampoco deja de tener ese regusto a epifanía: el tiempo se ha plegado y, además, se ha roto la barrera que separa la diégesis fílmica de la teatral… o de la real.

Antes de terminar, voy a hacer una confesión. Muscari me cae como la mierda, no me gustan sus obras y la película que co-dirigió para el ciclo 200 años (Canal 7) me pareció una porquería de grueso calibre. Así que llevaba mis reparos a lo que iba a ver de su trabajo escénico. Pero me equivoqué, también él está muy bien. Hasta me reconcilié un poco, la verdad.

Cierro. Hay que destacar al versátil e impecable Héctor Bordoni, el esfuerzo físico de los actores y la coreografía de artes marciales que el mismísimo Cáceres ensaya.. y pierde. Y, claro, la velocidad impenitente de la obra, de la que salí corriendo no sé muy bien porqué, contagiado por un espectáculo que, cuando termina, nos deja acelerados pero de cama, esperando a que el Sr. Miyagi frote las manos y nos devuelva el alma al cuerpo.

Calificación:

El Bergantín de Bernardo Cappa

2008-06-23T14:08:00.000-07:00

Estamos a fines de los ’40 o principios de los ’50. La Argentina, Granero del Mundo, envía un buque repleto de trigo para los hambrientos países europeos que la Segunda Guerra ha devastado. Es un gesto noble. Un grupo de damas aristocráticas de un balneario a orillas del Atlántico -acaso acostumbradas a la caridad como expiación de los pecados burgueses- decide saludar a los heroicos tripulantes del Esperanza con un poema. Son 180 apuestos y patrióticos marineros que recibirán los versos que las mujeres han compuesto no sin desvelos, en un trabajo colectivo con más desavenencias que puntos en común. Para hacerlo llegar a destino, cuentan con la radio del bergantín de Lorenzo, que además está enamorado de una de las damas.

La obra de Cappa, una residencia de actuación del IUNA, sorprende por varias cosas. Inicialmente, por la escenografía de Norberto Laino, en la que las cosas tienen ese aire amenazante de obsolescencia y misterio que cobran los objetos bien usados en el teatro. La puesta de luces de Pehuén Stodeur es tan buena como el resto de las que él ha hecho, con la salvedad de una luz que me dio right in my eye al principio de la obra, de la que Stordeur dice no ser responsable (habrá que preguntarle a Cappa). El vestuario, por su parte y sin ser deslumbrante, cumple perfectamente la función de contextualizador cronológico.

Otra cosa sorprendente es la calidad de las actuaciones, que además son felizmente parejas: destacar una sería injusto. Desde la depresiva Miranda, la sensible y despótica Emilia, el pobre Lorenzo y su madre, hasta la criada que acaba reventando en una revancha triunfal y profética, todas son plenas, firmes y muy divertidas.

Porque la obra es una comedia, se imaginarán. En el buen sentido. Hilarante, no desdeñosa del humor físico, del chiste inmediato, pero tampoco del anacronismo, de las resonancias históricas, de una trama oculta que pesa tanto como lo que se ve. Por ahí anda el General Perón, aunque no se lo nombre, en la opulencia de la clase media de uno de los balnearios que el peronismo les permitió a los obreros, en la emancipación de la empleada doméstica, en el trigo que viaja a Europa. Y también están los conflictos que nos martilla TN a diario: se vitorea al campo, una columna de humo sube de algún pastizal, la clase media acomodada se solidariza inopinadamente… Cappa construye desde la dirección y la dramaturgia una trama apretada que sostiene la obra desde lo evidente y también desde lo inaprensible, porque hasta los numerosos chistes internos que campean en el texto contribuyen a la solidez escénica, aunque nosotros nos quedemos afuera.

Una última cosa: vale la pena pegarse una vuelta por la sede nueva del IUNA en Venezuela 2587 y mirar con ojo esperanzado las potencialidades teatrales que tiene ese espacio.
Estrenamos, entonces, nuestro nuevo sistema de calificaciones y le damos a esta excelente obra el puntaje máximo. ¡Vayan a verla!

Calificación:

Dunkeneadas - I

2008-06-01T15:36:00.000-07:00

Esta sección que hoy inauguramos tiene que ver con mi frustrada vocación de antólogo. Me propongo realizar una selección -en varias entregas- de las reseñas que la editorial Dunken hace para los libros que publica. Algunas de ellas llegan a un nivel de sordidez tan notable que las vuelve dignas de lectura.

Plumitas de colores. Claudia García de Acuña

La escritora Claudia García con su libro "Plumitas de colores" cierra los ojos, prefiere que el lector acaricie su forma, aprecie el color, y se compenetre del bagaje del contenido de la obra escrita. En cada página está presente el poema que, generoso, se eleva, para llegar al trono del pensamiento. Cada poesía es una chispa, multicolor, que enciende el amor y se esclarece el sentimiento. La sensibilidad se adueña del misterio, de cada ser, que es capaz de vibrar a través de la bella palabra. "Plumitas de colores" se esparce como aquel, que abarca todas las nubes, el sol, madre, niño, prócer o un simple animalito indefenso y sutil; para que cada ser forme su mundo de la belleza, de armonía y de gracia. Porque un libro es una doctrina que se expande, es un templo construido; y aquí lo tienes, se llama “Plumitas de colores”

diga 33...

2008-05-23T10:04:00.001-07:00

nosotros sacamos el 3. ellos el 33. más que bienvenido sea este número.

Número 3

2008-05-18T19:07:00.000-07:00

después de varios meses de ausencia, el consejo editor de ciento cincuenta monos les hace llegar el tercer número de su modestísima revista.

en el índice encontrarán las luminarias que integran este número, prontas todas para huir a un destino mejor.

Kimono

El llanto del payaso, Ignacio Uranga

Lo que queda del mono, Ariel Devincenzo

Movimientos incorpóreos, Nurit Kasztelan

Kin Kón

Entrevista a Ricardo Strafacce

Mono con navaja

Pasado de contradicciones, Ariane Díaz

Monoambiente

Mujeres de barba candado, Fernando Vico

Tiro de gracia, Verónica Bonafina

Segundo B, Mariano Pensotti

Mono con navaja

Maten a Borges, Santiago Sánchez Santarelli

Monólogo

Viviendo a costillas del poeta III, Gastón Mazieres

Mono con navaja

Las locas, una lectura, Carolina Berduque

Poemínidos

Alfonso Durán, Santiago Sánchez Santarelli

La banana mecánica

Crónica de un cineasta inevitable, Marcos Vieytes

La del mono

Pornosonetos, Ramón Paz

Monoaural

Larumbe, Fernando Dominguez (Audio disponible acá)

***

como siempre, aceptamos toda clase de comentarios, desde altas lisonjas hasta rastreros insultos. Y, sobre todo, los invitamos a que colaboren.

saludos!

la monada

La sexta parte: La Paranoia de Rafael Spregelburd

2008-04-30T18:59:00.000-07:00

Vamos a empezar por hacer una aclaración: adoro a Spregelburd. Para que no anden sacando conclusiones perspicaces. Adoro su inteligencia, sus tés exóticos, su hospitalidad y, sobre todo, su teatro. Sobre todo. Entenderán que lo que sigue dista de ser imparcial, pero quién va a jactarse de imparcialidad en estos tiempos posmodernos. Yo no, al menos.

Resulta que, después de un año 2007 que no le salió todo lo derecho que esperaba, Spregelburd y su grupo El Patrón Vázquez pudieron estrenar La Paranoia, sexta parte de la Heptalogía de Hyeronimus Bosch. Fue en un teatro que recuperaron los vecinos de Villa Urquiza y que debe ser ahora uno de los mejor equipados de Buenos Aires: el 25 de Mayo. La vuelta a las tablas de la saga de Spregelburd no defraudó a sus seguidores. Este muchacho nos tiene muy mal acostumbrados y el día que se le ocurra poner una obra normalita, con su clásica hora de duración y con actores que hacen un personaje por vez, lo vamos a querer linchar. Por suerte, ese día parece cuando menos lejano. Spregelburd está loco (como Porchia) y hacemos votos porque siga estándolo muchos años más. Y porque no lo enchalequen.

La Paranoia es una obra formidable por donde se la mire. Dura tres horas de abigarrado relato, tiene 5 actores que se encargan de unos 30 personajes, se habla en chino, en ruso, en argentino y en venezolano. Pero lo que marca la diferencia es la tecnología: El Patrón Vázquez se animó a poner tecnología en escena y vaya si lo hizo.

Hay una pantalla sobre el fondo de la escena en la que se proyectan ciertos relatos más o menos paralelos al central (estas categorías son precarias, sin dudas), hay micrófonos en escena, hay cascos que transmiten directamente las ondas cerebrales a la pantalla, hay androides, hay cartas escritas sobre un material que parece celuloide... La tecnología, que -se supone- está para solucionarle la vida al hombre, permite en cambio una brutal complejización de la trama y de las relaciones escénicas. Y los procedimientos metalépticos, de los que ya hablé marginalmente en mi artículo sobre Nadar perrito, se multiplican hasta una interpelación directa y profética a los espectadores. La gente se ríe, más vale, ¿qué va a hacer? Porque pese a toda su densidad (o justamente por eso), la obra es muy, pero muy divertida. Hay que darle la derecha a Dubatti y repetir que Spregelburd le ha devuelto a la comedia el lugar que le correspondía en la escena nacional.

La Paranoia, además, es autosemejante como un fractal (otra figura que goza del favor de nuestro otrora entrevistado): la totalidad se parece a sus partes. Y, muy en particular, a una de sus partes: el sefaratón. Este es un aparato de factura alienígena que produce literatura de manera más o menos automática, en una enorme cantidad. Cada lectura que se haga de una de las partes, determinará las demás por unas relaciones estadísticas bastante nebulosas. La noción de totalidad se escapa inevitablemente, huye el sentido. Como en el sefaratón, en la obra pueden leerse una pluralidad de sentidos simultáneos, no excluyentes, parcialmente inaprensibles. Uno puede pensar en cierta reivindicación de género o todo lo contrario (ya trinarán las correctas señoras de Para Ti), en una jocosa crítica a las estructuras de pensamiento de los militares o la iglesia, en una reivindicación de los géneros (esa tambaleante categoría de la crítica artística)... se puede pensar también que la obra es un compendio de técnicas modernas de narración escénica, de narración cinematográfica, de narración literaria. O las tres a la vez. O ninguna: acaso pueda pensarse la obra como una extensa y compleja refutación.

En vez de la cómoda síntesis hegeliana, La Paranoia propone una dialéctica donde los términos se mantienen en tensión y el sentido acaba por escurrirse entre los pliegues del relato, al mismo tiempo que lo vuelve posible. El problema es que detrás del sentido vamos nosotros, los espectadores, chupados por esa deleitosa maquinaria pánica que nos arrastra al abismo de la representación.

Para darnos un poco de rizomática seguridad (¡caramba, que deleuziano me desperté hoy!), Spregelburd retoma viejos temas. Se cita, o nos da a entender eso: hay un viaje, como en todas las obras de la serie; una gota por ahí nos trae a aquella que le inspiró a Vázquez su famoso patrón; aparecen las Barbies con las que Silvita (la misma Andrea Garrote) jugara en Remanente de invierno; Hagen nos recuerda al un poco infeliz Donnie de La Estupidez y John Jairo Lázaro a Wilcox. Etcétera.

Voy a ir cerrando porque no quiero adelantar nada que moleste a la hora de ver la obra. Si usted, estimado lector, ha llegado hasta acá, no le queda otra que ir a verla. Le enumero las razones: 1) La Paranoia es mucho (muuuuuuuuuuuucho) mejor que esta reseña, así que si pudo bancarse esto, a lo otro lo va a disfrutar como loco. 2) La entrada sale módicos $20 y $7 para estudiantes. El que haya intentado ver algo en el circuito comercial sabrá apreciar estos precios para una producción carísima como la que nos ocupa. 3) El teatro 25 de Mayo es muy bonito y muy nuevo: vale la pena conocerlo. 4) En la tele, los sábados y los domingos a esa hora uno puede ver a Chiche Gelblung entrevistando a un potus o al nuevo método Sprayette Neumatic Hair Free, de depilación indolora por martillo neumático... ¡Déjese de joder, señor/a, haga algo que pueda contarle a sus nietos! Vaya a ver La Paranoia. Reserve sus entradas antes de que se agoten... ¡¡¡LLAME YA!!!

El Patrón Vázquez presenta:

LA PARANOIA
de Rafael Spregelburd

Estreno: 26 de abril de 2008 a las 20:00
Complejo Cultural Teatro-Cine 25 de Mayo / Av. Triunvirato 4444
Sábados 20:00 / Domingos 19:00
Localidades: $20 / Duración: 3 horas / Con un intervalo

“Las inteligencias mantienen el equilibrio del cosmos. Es un enorme esfuerzo, el de las inteligencias. El cosmos es vasto y lleno de inexactitudes. ¿Y qué aporta nuestra pobre Tierra a todo esto? Muy poco. Nuestra visión de lo lejano es magra, nuestro encéfalo carece de las coordenadas de infinito. Pero hay algo que las inteligencias no pueden obtener en ningún otro planeta: ficción. Somos la única especie capaz de imaginar lo que no ocurre. Ellas se alimentan de la ficción, y este lujo ha garantizado la paz del cosmos. Pero ahora se está acabando. No quieren más de aquello que ya conocen. La paz peligra.
Un grupo de elite, armado a los apurones en Piriápolis, está destinado a cambiar el destino de la humanidad.
No estamos preparados para lo que ha existido desde siempre.”

Con: Andrea Garrote, Mónica Raiola, Pablo Seijo, Rafael Spregelburd y Alberto Suárez
Música original de Nicolás Varchausky, Pablo Chimenti y Hernán Kerlleñevich
Dirección audiovisual: Daniela Goggi, Agustín Mendilaharzu, Juan Schnitman, Ignacio Masllorens
Edición: Sebastián Toro, Alejo Varisto
Vestuario: Julieta Álvarez
Asistente de vestuario: Catalina Willimburgh
Fotografía: José María Pigu Gómez
Asistente de dirección: Francesc Jiménez Llinás
Colaboración artística: Héctor Díaz
Dirección: Rafael Spregelburd

Una coproducción del Centro Cultural 25 de Mayo, el Festival Internacional de Buenos Aires, el canal Ciudad Abierta y El Patrón Vázquez

Un trabajo comisionado por la Akademie Schloß Solitude de Stuttgart

Premio Casa de las Américas de Cuba 2007

Por el éter

2008-04-22T18:59:00.000-07:00

El lunes, los chicos de Esperando a Godot nos invitaron al programa que hacen en la FM de la UBA (Lunes 19 a 20 hs, en FM 90.5). La pasamos muy bien y queremos agradecerles públicamente.

Los que quieran escuchar el programa pueden bajarse un audio precario (grabado con un MP4 de aire) y comprimido con WinRAR de acá

Filigranas

2007-12-30T22:38:00.000-08:00

El miércoles 26 se presentó Objetos maravillosos de Juan Diego Incardona, tal como lo habíamos anunciado. Fue en un centro cultural lindo y chiquito, que queda en una calle de una sola cuadra y donde sirven la cerveza en tarros de mermelada. Ciento cincuenta monos a pleno estuvo allí.

Hablaron Mairal y Llach. Lo del primero estuvo divertido. Llach, en cambio, fue un poco machacón con el tema del peronismo. La poética peronista, diría mi buen amigo Diego Vecino. Hizo comparaciones un tanto forzadas o directamente zopencas: que el General escuchaba “música maravillosa” (citando mal a Perón) en la música común y que Juan Diego hacía objetos maravillosos usando materiales comunes; que Perón se llamaba Juan Domingo e Incardona, Juan Diego. En fin…

Pero con tanto peronismo, con tanto hinchar las pelotas con la filiación partidaria del autor, me convencí de que tenía entre manos la versión posmoderna de La razón de mi vida, cosa incómoda de sostener para un trotsko como el que suscribe. Así que, como quien entra a un recital de Hermética con la remera de Miranda!, abrí el libro dispuesto a recibir una andanada justicialista digna del más orondo 17 de octubre…

Pero no.

Lo que hay en Objetos maravillosos no es peronismo, sino menemismo. Bueno, no frunzan las narices. No me refiero al menemismo de la pizza con champán, de las naves que se remontan a la estratósfera, de la Argentina en el primer mundo. Más bien todo lo contrario. En este libro, al menemismo no se lo dice pero está ahí, agobiante, funesto, desprendiendo pedazos del país y dejando sin laburo a un pibe que sale de la secundaria. De una secundaria técnica un país sin industrias. El menemismo es una presencia gravitante y gravosa que sólo acepta como recurso a la elipsis. Porque, sin irnos a los extremos de Adorno, de todos modos flota la pregunta: ¿Cómo se escribe literatura acerca de (o en) un tiempo en el que la realidad fue el anclaje para un ejercicio de ficción extremadamente poderoso, pletórico de barroquismo, mediático, teatral y omnipresente? Ya Bartís se hizo esta pregunta en relación al fenómeno teatral y se contestó con la formidable Postales Argentinas. Ahora, Incardona responde con un realismo autobiográfico que devela la cara oculta de la unending partusa menemista. Tras las bambalinas del poder (robo a mano armada un título de Caraballo) están los maquinistas de la miseria o de la marginalidad. Incardona fue, entre muchas otras cosas, uno de ellos.

El caso es que Juan Diego, con una prosa simple, tierna y por momentos infantil (en el mejor sentido), nos pega una serie de rotundas patadas en los huevos. Porque todos los que salimos de una casa barrial de clase media podemos reconocernos en ese diario heterogéneo, que nos alcanza como una serie de incómodos déjà vu (unpleasant memories, que les dicen): yo también egresé de una técnica, entré a la UNLP a estudiar Ingeniería Electrónica, tuve mi peluquero de toda la vida al que abandoné cuando mi cabeza decidió desprenderse por sí misma del pelo, cursé cinco Análisis Matemáticos, largué la carrera por la mitad y le cagué a mis viejos el sueño del inyenieri en casa; también veraneé en Reta y demás. Pero frente a mis pavotas costumbres pueblerinas, en Incardona hay un punto de inflexión: inopinadamente se transforma, de un momento a otro, en un aventurero. Se saca de encima a Villa Celina y la convierte en un territorio mítico, le da el olivo a Borges y a la cargosa costumbre de la erudición enciclopédica y los cuentos crípticos, abandona al tornero y de ese despojarse sale un artista: el creador de los Objetos Maravillosos que vaga por el sur del país, para luego fundar El Interpretador.

En este libro supuestamente peronista aparecen Viñas como intelectual faro y el hippismo como modus vivendi. Trotsko feliz, cierro el libro y pienso: “Carajo, este pibe pude haber sido yo”. Pero ahí se me acaba la contentura. Incardona ya no es ninguna de las cosas que cuenta: a ese pasado lo ha retorcido, lo ha pintado con fundente, lo ha soldado y lo ha sumergido en ácido nítrico al 20%. Ahora, nos lo presenta convertido en un objeto maravilloso. Yo, inútil de mí, apenas me animo a estos comentarios.
Aunque… ¿Quieren leer una reseña maravillosa?

Erratas

2007-12-29T17:11:00.000-08:00

Como siempre, después de cada número que uno cree sacar perfecto, aparecen errores estúpidos y tan visibles como una ballena en un tarro de mayonesa. Pero es preciso que la revista llegue a los lectores para que uno se dé cuenta de que la pifió en una u otra cosa.

El caso es que este número 2 salió con un par de detalles que creemos conveniente hacer notar y por los que pedimos disculpas. De todos modos, actualizaremos el archivo, para que se puedan descargar una versión lo más correcta posible de la revista.

Hacemos, entonces, nuestra fe de erratas:

- En la página 12, donde se lee "Imagino que hay gente supone que nosotros no necesitamos el dinero", debería leerse "Imagino que hay gente que supone que nosotros no necesitamos el dinero"

- En la misma página, a la bella y talentosa Leonora Balcarce la nombramos Emilia, inexplicablemente, en el pie de una foto. Nuestras disculpas a ella.

Agradeceremos que nos avisen de cualquier otro error que encuentren.

objetos maravillosos

2007-12-20T07:07:00.000-08:00

el próximo miércoles veintiseis de diciembre a las veinte treinta, en el centro cultural pachamama (argañaraz 22, villa crespo), juan diego incardona, el gran interpretador, lanza al mundo su libro objetos maravillosos.
presentarán santiago llach y pedro mairal.

los monos estarán presentes.

número dos: diciembre de dos mil siete

2007-12-17T18:10:00.000-08:00

muchos se preguntan qué significa la nueva publicidad de la compañía de telefonía que ofrece el servicio de videollamada.

pocos, unos elegidos, han comprendido que detrás de toda la parafernalia masiva se oculta una simple, simplísima, verdad: la doña no se ufana de la potencia sexual de su decrépita pareja. en realidad, anuncia la llegada del tan esperado número dos de ciento cincuenta monos.

y hela aquí, con sus páginas blanquitas y su índice plagado de luminarias.

Índice

Editorial

Kimono (Poesía)

Dos poemas de Zoología del conejo, Cecilia Romana

Dos poemas de Laika, Diego Carballar

Seis poemas, Luciana Romano

Kin Kón (Entrevista a un Gran Mono)

Charla con Rafael Spregelburd

Mono con navaja (Disección crítica: Literatura)

Versos sobre uno, Silvio Mattoni

Maten a Borges, Diego Vecino

Monoambiente (Relatos de una sola pieza)

Adentro y afuera, Gustavo Nielsen

La habitación de las arañas, Marcelo Svartman

Ese Gitano, Juan Cruz De Sabato

Monólogo (Teatro para leer, porque otra no queda)

Viviendo a costillas del poeta II, Gastón Mazieres

Mono con navaja (Disección crítica: Teatro)

“El niño argentino”…, Jorge Dubatti

Poemínidos (Contribuciones fósiles…)

Juan Arzadun, Santiago Sánchez Santarelli

La del mono (Columna chancha)

Las chicas de letras se masturban así XIX, Elsa Kalish

La banana mecánica (Crítica de cine)

Metamorfosis crítica II, Marcos Vieytes

Última página (Muchas monerías)

pueden bajarla aquí: ¡DESCARGAME!

o cliquear a su derecha, en la sección Números

o pedirla a 150monos@gmail.com

que la disfruten!!

150monos recomienda...

2007-11-15T06:07:00.001-08:00

Las Locas

de Santiago Sánchez Santarelli

La obra comienza in medias res: sentadas en un espacio ascético nos encontramos a dos mujeres indiferenciadas que posiblemente han estado actuando desde mucho tiempo antes de que las empecemos a ver. No podemos asegurar a priori que lo que vemos sea la pieza de una institución psiquiátrica. Tampoco que sea un decorado de teatro. Ellas no parecen poder distinguir entre una situación y la otra.

Los monos en la FLIA (parte 2)

2007-10-23T18:26:00.000-07:00

fuimos, vimos y vendimos. 23 ejemplares ya pasean por la ciudad en manos de felices compradores que disfrutan de las brevísimas líneas impresas. gracias por venir.

y ya se largó la carrera hacia el número 2. se vienen, entre otros, dubatti, nielsen, svartman, de sabato, romana, romano, carballar y más, más, más.

Los monos a la FLIA

2007-10-18T18:33:00.000-07:00

Éste sábado 20 de octubre, desde las 12 y hasta las 22, los monitos van a estar apostados en la FLIA, la Feria del Libro Independiente y Alternativa.

Allí, vamos a llevar una versión abreviadísima, limitada e... impresa! de la revista.

He aquí la tapita:

La cita es, entonces, éste sábado en la Facultad de Filosofía y Letras, en Puán 480.

Los esperamos.

Fe de monos

2007-10-17T23:52:00.000-07:00

En mi artículo sobre Nadar Perrito hice una asignación doblemente falsa: le encajé a Genette una cosa que no dijo y, por si eso no fuese poco, lo puse a Woody Allen en un papel que no interpretó.

La cosa es así. En la nota al pie Nº5 (página 22 de la revista) escribía que "Genette indica varios ejemplos, entre ellos la secuencia de La Rosa Púrpura de El Cairo (1985), en la que Woody Allen sale de la pantalla de un cine, toma a una espectadora (Mia Farrow) y se la lleva consigo de vuelta a la película de la que salió". Bueno, resulta que don Gerard jamás dice cosa semejante (apenas indica que "un personaje" realiza esa acción). Además, el actor que se encarga de hacerlo es Jeff Daniels y no Allen.

Asi que vaya una doble disculpa a los lectores. Noblesse oblige

En Tigre

2007-10-11T18:46:00.001-07:00

A continuación, una selección de los poemas que publicamos de Natalia Fortuny, una amiga de la casa, a quien pueden visitar en su blog (ver Recomendados).

en la casa

la llaman tenebrosa

con la creciente

del mar

sube el río

y se inunda el piso

de abajo

es bueno ver

la carrera invisible

lentísima

de las babosas y arañas

por salvarse del agua

de a poco

trepan por las escaleras

ni se preguntan

como yo

por qué no sé volar.

como aguirre

me refriego los ojos

para ver

la sorpresa que da

en medio del río

gigante

guardada en cajita de cristal

¿para quién?

la casa de sarmiento.

Kin Kón (Entrevista a un Gran Mono): Jorge Boccanera

2007-10-08T19:12:00.000-07:00

Boccanera es una masa. Hay que decirlo. Poeta personalísimo e internacional, reconocido por gente de la talla de Juan Gelman o José Saramago, es también un gran tipo. Al menos hasta donde yo lo conozco [...]

La entrevista que van a leer se realizó vía mail. Nos fue imposible coordinar un encuentro cara a cara: nosotros intentando publicar éste primer número; él mudándose, con revista a cuestas, a la calle Piedras. Pero creemos que, así y todo, vale la pena leerla.

Que la disfruten.

Vamos a empezar por el principio, cabalmente: ¿cuál es el origen de tu poesía y cuál el de tu vocación de poeta, si es que no nacieron al mismo tiempo?

Posiblemente una vocación de curiosidad; el niño que se abismaba en historias del mar; no te olvides que nací a cuadras del Atlántico, en el puerto de Ingeniero White. Aunque la palabra vocación no le va a la poesía, que es todo lo contrario a lo dirigido en un único sentido. Empecé borroneando palabras y dibujos a los 8 años, y sigo borroneando papeles hoy.

En tus poemas parece leerse una doble intención: por un lado hay una construcción del poema como estructura total, cosa que se advierte sobre todo en un giro inesperado hacia el final, como si estuviésemos ante el esqueleto poético de un relato; y por otro hay un trabajo fino que ha dado versos antológicos como "afuera está lloviendo en otro idioma" o el tríptico "Por si esto fuera poco,/los perros de la noche /llevan mi nombre entre sus dientes". ¿Es un gesto de escritura deliberado ese doble interés?

Creo que se trata de una urdimbre, donde lo deliberado se vincula al azar y la “doble intención” se diluye en el sueño. Pero esto del “armado” del poema, mejor dicho: los condimentos que uno mete a la olla, ya es tarea del crítico.

¿Cuáles pensás que son las marcas que dejan en tu escritura primero la represión y luego el exilio?

Sobre el tema de la represión hay una conciencia, un espacio de comprensión, que se expresa seguramente en lo que escribo de distinto modo; en mis esperanzas, mis broncas, mis paranoias, mis temores, mi ser solidario. Ahí no sólo hay “temas”, sino pareceres, modos de pararse frente a la realidad. Lo del exilio es más abarcador y alcanza seguro tonos metafísicos. Justamente en México va a salir una antología de poemas —Cuadernos de extranjería— que escribí y que tienen esa sensación que alguien definió con acierto, como “la muerte de cosas de la infancia y la muerte de la infancia de las cosas”; un sentimiento de ser forastero en todas partes. Y un expresarse en lo márgenes y en los reversos.

En Sordomuda usás un procedimiento extraño: citás a bastante gente, con fragmentos intercalados en tus poemas y al final del libro explicitás los nombres, como incitando a los lectores a que descubran a quién corresponde cada una de las frases en bastardillas. Ahora, ¿cuál es el lugar que tus lecturas ocupan al momento de escribir?

Son juegos de identidad, simulacros, pastiches. Poemas que en su armado admiten el collage, la orquestación. Eso, para mí, le da cierta teatralidad al poema...

Para leer la entrevista completa, baje el PDF, compañero!

Friends will be friends

2007-10-07T23:48:00.000-07:00

Nuestros amigos de La Contrarreforma han hecho un post elogioso sobre 150 monos. Así que, para devolverles el favor, armo este.

Hay que decir que no tenemos nada en común con ellos. Los muchachos -peleadores y punzantes- han cobrado una merecida fama en los últimos tiempos. Fueron linkeados por Maximiliano Tomas, por Omar Genovese y por algún otro que ahora no recuerdo. Alejandro Horowicz los invitó a su programa de radio; allí, una rezongona Elsa Drucaroff consideró que eran interlocutores válidos y se dedicó a lanzarles con cuanto diploma encontró a mano. Que la Drucaroff busque legitimarse de ese modo frente a ellos habla muy bien de la Contrarreforma.

Además ya tiene página web con dominio propio: miren acá. Van a encontrar "crítica cultural y rosca política", alguna puteada de un lector enfebrecido y la bravuconada flotante de Santiago Llach que, creyéndose el Tyson de las ediciones independientes, desafía a quien se le cruce a tirar unos guantes. Esperemos que no le muerda la oreja a nadie.

Deuda saldada.

El primer grito del mono

2007-10-07T07:34:00.000-07:00

El arte saca fuerzas de sus limitaciones, se erige sobre ellas y construye su singularidad. El teatro, resignado al inevitable carácter de representación, delinea su poética sobre la potencia de los cuerpos en escena, sobre su inmediatez y sobre los juegos metalépticos que el hecho representacional permite. El cine, en el reverso, condenado a narrar el pasado y al escamoteo de las corporeidades, toma como estandarte la reproducción de fantasías que se aproximan cada vez más a la perfección técnica y que posa el ojo del espectador sobre lugares inverosímiles. La literatura, por su parte, lucha contra el lenguaje como condicionamiento social para convertirlo en su materia prima, en un enfrentamiento del que ambos salen transformados. Y así podríamos seguir.

Nosotros intentamos volver fortaleza nuestras limitaciones económicas y de agenda. La falta de tiempo la combatimos con la útil y marxista división del trabajo (del ingreso, ni hablar); la falta de dinero nos conminó a un formato digital que, a su vez, permite una difusión mucho más masiva que el papel. Esta revista pretende abarcar tantos campos del arte como le sean posibles. No está en nuestros planes apretar a nadie, así que el refrán nos tiene sin cuidado. El criterio de selección es despótico y bloomniano: publicamos lo que nos gusta. No abogamos por la rigidez, confiamos en que las secciones cambiarán con el correr de los números y, sobre todo, confiamos en el correr de los números.

Hasta aquí lo que podemos decir.

Callaremos, por el momento, la razón de su nombre.

Número 1

2007-10-06T19:35:00.000-07:00

ÍNDICE

Editorial

Kimono (Poesía)

En Tigre, Natalia Fortuny

Au jour le jour, Silvina Peri

Kin Kón (Entrevista a un Gran Mono)

Charla con Jorge Boccanera

Mono con navaja (Disección crítica: Literatura)

Vanguardia y crítica…, Martín Glozman

Monoambiente (Relatos de una sola pieza)

La biblioteca menguante, Julián Besteiro

Un galope lejano, Ignacio Molina

Mono con navaja (Disección crítica: Teatro)

La obra de teatro…, Santiago Sánchez Santarelli

Monólogo (Teatro para leer, porque otra no queda)

Viviendo a costas del poeta, Gastón Mazieres

Poemínidos (Contribuciones fósiles…)

Juan Ahuerma, Santiago Sánchez Santarelli

La del mono (Columna chancha)

El 69, Usted

La banana mecánica (Crítica de cine)

El cine y la abyección, Marcos Vieytes

Última página (Muchas monerías)

Para bajar el número 1, cliqueá en la frase que viene a continuación: Quiero monos!!!